La guarida de Betursus

Cineminuto Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2011

2011-03-16T15:36:00.000-07:00

Estimados seguidores de esta guarida. Hoy les dejo una verdadera joya. El cineminuto del 26º Festival Internacional de Cine de Guadalajara de 2011, realizado por René Castillo (mítico stopmotionero creador del entrañable y siempre ponderable corto "Hasta los huesos", aquí el link para que también lo disfruten: http://www.youtube.com/watch?v=9XDnxA4LvZE ).

Y por este lado les dejo el link de la web oficial del FICG para que revisen la programación y eventos.
http://ficg.org/sitio/

Si quieren seguirlos por twitter: @ficgoficial
Y el de su servidor: @betursus

Paranoia: El ingrediente indispensable en los films de espionaje.

2010-08-17T20:53:00.000-07:00

Hace unos días, el jueves 5 de agosto para ser exactos, la empresa de frituras llamada Barcel, a través de su producto Chip´s, tuvo a bien invitarme a una premier. De esas en sala cómoda, con asientos reclinables, meseros que interrumpen cada vez que atienden a los cine-comensales, sonido espectacular y toda la cosa (eso incluye la primer fila que no provoca tortícolis)... Se trató nada más y nada menos que de la película llamada Agente Salt, que en la alineación histriónico-estelar contó con los servicios de la mujer de los labios más gruesos del planeta: Angélica Alegría (já) o también conocida como Angelina Jolie (nada espectacular que resaltar en su desempeño más que su franca condición física) y en el papel coestelar al reciente hombre wolverine, Liev Schreiver (quien sí no deja de sorprenderme por sus dotes como un verdadero maleante, es decir, un verdadero hijito de perra). Aunque más adelante les daré mi veredicto sobre la cinta, sí puedo comentarles que detenta una dirección bastante aceptable y sólida bajo el mando del australiano Phillip Noyce (quien dirigiera en 1997 esa mítica y recomendable cinta llamada The Saint, con Val Kilmer en el papel protagónico).

Como no pretendo ahondar en la trama y no es motivo de este post. Comparto con ustedes la sinopsis de la película en cuestión, enmarcada en el género que implica atisbos, suspenso, acción y espías internacionales: Antes de convertirse en un agente de la CIA, Evelyn Salt (Jolie), hizo un juramento de servicio y honor a su país. Ella demostrará su lealtad cuando un inmigrante la acusa de ser un espía ruso. Salt huye usando sus habilidades y años de experiencia como un agente encubierto para eludir; capturar; proteger a su esposo y mantenerse un paso adelante de sus colegas de la CIA.

Eludida la parte de describir de qué trata la cinta, ahora sí comenzaré por rebanar de mi cabeza las ideas que hoy quiero compartir con ustedes en este sorprendente post (el elemento sorpresa no es porque sea bueno sino porque revive mis intentos por no dejar morir este blog).

¿Se han fijado que en las películas de espías lo más importante es convertir al espectador en un paranoico profesional? En lo personal, estoy convencido de ello, ya que de otra manera no podemos explicarnos por qué los guionistas dan vueltas y vueltas a la trama para dejarnos completamente desarmados y llenos de dudas sobre quién es amigo de quién y en qué momento nuestro protagonista está a punto de tirar la toalla porque todo tipo de fuerza se ha volcado en su contra (para finalmente salir victorioso). ¡Ufffffff! menudo razonamiento para explicar que en estas películas el éxito está basado en generar un estado de salud mental caracterizado por la presencia de delirios autoreferentes, alias, paranoia, pero no propiamente en los actores sino en nosotros. ¿Ehhhhhhh? Sí, lo que hace que una película de esta naturaleza sea un verdadero éxito (según mis hipótesis) no es lo que los actantes (intérpretes) saben de sí mismos sino la información que nosotros adquirimos al respecto. Y mientras más datos tengamos al respecto, mejor. Quizá esto no logré explicarlo muy bien en las líneas anteriores, por tanto, trataré de poner un ejemplo.

Supongamos que fulanito A, es el espía clásico de nuestros vecinos del norte que lucha contra los clásicos amigos rusos. Entre más información tengamos respecto sobre quién o quiénes lo quieren matar no hace que el elemento sorpresa disminuya sino todo lo contrario, sospechamos ya de todo mundo, es decir, nos volvemos paranoicos. Esto independientemente de lo que fulanito A sepa de sí mismo. Si por el contrario, tenemos muy poca información sobre lo que le pasa a nuestro actor principal, podemos ser víctimas del elemento sorpresa y no de la paranoia que desata la información en grandes cantidades. Lo clásico es que nos dejemos llevar por las inesperadas traiciones, pero ¿qué pasa cuando sabemos que todos son traidores? Creo que nuestra condición de espectador se transforma en un no-adivino.

Como un abreviado y dato adicional recordemos que hay 3 niveles de información respecto a lo que le pasa a un actor en una historia: a) lo que sabemos de él / b) lo que él-ella sabe de sí y c) lo que desconocemos ambos actores y espectadores.

Conclusión quasi final: prefiero personalmente las cintas donde encuentro mucha información y el nivel de sorpresa es menor y al final lo que triunfa es la confusión. Esas cintas verdaderamente resultan deliciosas.

Última conclusión, casi lo olvidaba, no recomiendo del todo Agente Salt, a menos que alguien quiera disfrutar de acción desmesurada, una tarde palomitera, excelentes efectos especiales y un chauvinismo gringo insoslayable. Nos leemos en la próxima.

PD. El sitio web de Salt está francamente recomendable. Ese sí que lo recomiendo.

Siga a este irreverente autor en twitter: @betursus

Contra el Silencio Todas Voces (Sede Michoacán)

2010-04-14T20:44:00.000-07:00

VI Festival de Cine y Video Documental: Contra el Silencio de Todas las Voces

El colectivo ESPEGEA presentará en Abril el VI Encuentro Hispanoamericano de Cine y Video Documental: Contra el Silencio de Todas las Voces, en Michoacán.

Este Festival de documentales se realiza desde el año 2000, cada dos años, gracias al cual han logrado formar un acervo de cine documental hispanoamericano de alrededor de 1800 títulos, el cual funciona como videoteca pública; además, cuentan con una red de 450 documentalistas de países de América y España.

Esta Asociación Civil tiene cumple una labor de difusión importante y entre festivales, promueven los documentales principalmente con prestamos de la de la videoteca y proyección en TV UNAM.

Reconocen la importancia de acercarse a las comunidades y presentarles otra forma de ver el mundo a través de la visión de los documentalistas, es por ello que siguiendo este objetivo el colectivo ESPEGEA colabora con la difusión en comunidades, llevando el Festival Contra el Silencio de Todas las Voces en diversos municipios del estado de Michoacán.

Aquí la invitación de la inauguración este próximo sábado en La Huatapera de Uruapan.

Más información sobre otra sedes y programación en su blog: http://colectivoespegea.blogspot.com/

Fechas de programación en distintas comunidades y municipios:

23 de Abril: Lagunillas

2 de Mayo: Chucutitán

7 de Mayo: Galeana

7 de Mayo: Nuevo Parangaricutiro

15 de Mayo: Tangancícuaro

16 de Mayo: Zacapu

22 de Mayo: Lombardía

29 de Mayo: Zamora

3 de Junio: CLAUSURA en Morelia.

Ariel 2010. Lista de Ganadores.

2010-04-14T20:08:00.000-07:00

Lista de ganadores de los Premios Ariel de 2010

¿Quieres conocer quienes fueron los nominados? En el sitio donde encontré esta foto los puedes conocer: efectoinverso.blogspot.com

Esta es la lista completa de los premios: Mejor Película: "Cinco días sin Nora", de Mariana Chenillo.

- Mejor Dirección: Carlos Carrera, por "Backyard. El Traspatio".
- Mejor Actriz: Asur Zágada, por "Backyard. El Traspatio".
- Mejor Actor: Fernando Luján, por "Cinco días sin Nora".
- Mejor Coactuación Femenina (actriz secundaria): Angelina Peláez, por "Cinco días sin Nora".
- Mejor Coactuación Masculina (actor secundario): José Sefami, por "Conozca la cabeza de Juan Pérez".
- Opera Prima: "Cinco días sin Nora", de Mariana Chenillo.
- Mejor Largometraje Documental: "Flores para el soldado", de Javier Garza Yáñez.
- Mejor Película Iberoamericana: "El secreto de sus Ojos", de Juan José Campanella.
- Mejor Guión Original: Mariana Chenillo, por "Cinco días sin Nora".
- Mejor Edición (montaje): Miguel Schverdfinger, por "Norteado".
- Mejor Música original: Darío González Valderrama, por "Cinco días sin Nora".
- Mejor Fotografía: Martín Boege y Everardo González, por "Backyard. El traspatio".
- Mejor Vestuario: Josefina Echeverría, por "Conozca la cabeza de Juan Pérez".
- Mejor Maquillaje: Mario Zarazúa y Alfredo Mora, por "Cinco días sin Nora".
- Mejor Diseño de Arte: Gloria Carrasco y Lizette Ponce, por "Backyard. El traspatio".
- Mejores Efectos especiales: Daniel Cordero, por "Conozca la cabeza de Juan Pérez".
- Mejores Efectos visuales: Christian Rivera, por "Conozca la cabeza de Juan Pérez".
- Mejor Sonido: Mario Martínez Cobos, Miguel Ángel Molina, Ernesto Gaytán, Antonio Diego e Isabel Muñoz, por "Backyard. El traspatio".

- Cortometraje Documental: "Solo pase la persona que se va a retratar", de Roque Azcuaga.
- Cortometraje de Ficción: "La canción de los niños muertos", de David Pablos.
- Cortometraje de Animación: "Jaulas", de Juan José Medina.

Además, se otorgaron sendos Ariel de Oro al director Felipe Cazals y a la Cineteca Nacional.

Con información de la agencia: EFE

82 Edición de los Oscar.

2010-03-07T23:31:00.000-08:00

La 82 entrega de los Premios Oscar, que se llevó a cabo en el Teatro Kodak, tuvo como máximo ganador a The Hurt Locker al llevarse seis estatuillas, a esta le siguieron, Avatar, con tres, mientras que Precious, Crazy Heart y Up se llevaron dos.

A continuación la lista completa de los ganadores:

Mejor Película / The Hurt Locker

Mejor Dirección / Kathryn Bigelow, por The Hurt Locker

Mejor Actriz / Sandra Bullock, por The Blind Side

Mejor Actor / Jeff Bridges, por Crazy Heart

Mejor Película en Lengua Extranjera / El secreto de sus ojos (Argentina)

Mejor Actor de Reparto / Christoph Waltz / Inglourious basterds

Mejor Película de Animación / Up

Mejor Canción Original / 'The Weary Kind (Theme from Crazy Heart)

Mejor Guión Original / The Hurt Locker

Mejor Cortometraje de Animación / Logorama

Mejor Cortometraje Documental / Music by Prudence

Mejor Cortometraje / The New Tenants

Mejor Maquillaje / Star Trek

Mejor Guión Adaptado / Precious , Based on the Novel ‘Push’, by Sapphire

Mejor Actriz de Reparto / Mo’Nique, por Precious

Mejor Dirección Artística / Avatar

Mejor Diseño de Vestuario / La Reina Victoria

Mejor Sonido (Sound Mixing) / The Hurt Locker

Mejor Edición de Efectos de Sonido (Sound Editing) / The Hurt Locker

Mejor Cinematografía / Avatar , Mauro Fiore

Mejor Banda Sonora / Up

Mejores Efectos Visuales / Avatar

Mejor Edición/ The Hurt Locker

Mejor Documental / The Cove

Ganadores Concurso Acción Unida.

2010-02-05T08:14:00.003-08:00

Hola a tod@s,

Aquí dejo el link de los ganadores del concurso "La culpa la tenemos todos" del cual previamente puse su convocatoria. Saludos.

http://www.accionunida.org/noticias/54-resultados-del-1er-concurso-estatal-de-cortometraje-sobre-concientizacion-social-qla-culpa-la-tenemos-todosq

¿Vives en Michoacán? Participa.

2009-11-24T15:53:00.000-08:00

Aquí les dejo una convocatoria para tod@s los que viven en Michoacán.

Ganadores y algunas conclusiones del FICM 2009 (Morelia Film Fest)

2009-10-11T22:51:00.000-07:00

Las miradas y las voces que asistieron a esta 7a edición coinciden en cuatro cosas a manera de conclusión: a) La gran selección y participación del género documental, realmente conquistó a críticos, cinéfilos de verdad, ciudadanos a pata (sin fines de facetismo) y los grupi-snobs que nunca faltan. b) La selección de cortometraje mexicano dejó mucho que desear (algunas honrosas excepciones, por supuesto) en cuanto a la riqueza de sus narraciones e historias llevadas a la pantalla grande. c) La programación en general no se mantuvo en relación a otros años y no menos importante, d) El premio al mejor cortometraje michoacano deja un hueco nefasto entre sus participantes y un "sospechosismo" que sigue apestando a fraude como en otros años. ¿Acaso seguimos tratando mal a los de casa o es que este año no hubo temáticas de corte indigenista? Sea como sea, el FICM nuestro de cada año llegó a su fin. Aquí les dejo los ganadores y por qué no, hablemos sin tapujos de este festival que no deja de generar amor/odio entre sus asistentes, afectados, voyeristas, beneficiados, etcétera. Toda opinión es bienvenida. Saludos desde esta guarida y nuevamente, que tengan un estancia placentera por estas letras, imágenes, videos y/o fotos.

CONCURSO MICHOACANO DE GUIÓN DE CORTOMETRAJE
Premio al mejor guión para Inferum de Jorge Armando Moreno Calderón.

SECCIÓN MICHOACANA
Premio al mejor trabajo de la sección michoacana para Nebraska de Adrian Ortiz.

SECCIÓN DE CORTOMETRAJE MEXICANO
Mención especial para 5 recuerdos de Alejandra Márquez y Oriana Alcaine.
Mención especial para El secreto de Martín Cordiani de Isaac Ezban.
Mención especial para El sótano de Mario Guerrero.
Premio especial García – Bross / Studio 5 de mayo para Felipe de Lenz Claure.
El Premio al mejor cortometraje de Animación es para ¿Y el agua? de Dominique Jonard.
El Premio al mejor cortometraje de Ficción es para Señora Pájaro de Véronique Decroux.

SECCIÓN DE DOCUMENTAL
Mención al Mejor documental realizado por una mujer para Rehje de Anaís Huerta y Raúl Cuesta.
Premio al Mejor documental realizado por una mujer para La sirena y el buzo de Mercedes Moncada Rodríguez.
Mención al mejor cortometraje documental para Retrato de un contorno de Jaime Munguía.
Premio al mejor cortometraje documental para El suicidio del tiempo (Pavel González) Daniel González Olvera.
Mención al mejor largometraje documental para Flores en el desierto de José Álvarez.
Mención al mejor largometraje documental para El informe Toledo de Albino Álvarez.
Premio al mejor largometraje documental para Presunto culpable de Roberto Hernández y Geoffrey Smith.

SECCIÓN DE LARGOMETRAJE MEXICANO
Mención Especial a Vaho de Alejandro Gerber Bicecci.
Premio al Mejor Largometraje Mexicano a Alamar de Pedro González-Rubio.

PREMIO DEL PÚBLICO
Premio del Público para Largometraje de Estreno a Soundtrack for a Revolution realizado por Dan Sturman y Bill Guttentag.
Premio del Público para Largometraje Mexicano en Competencia a Alamar de Pedro González-Rubio.

MORELIA LAB
Premio IMCINE de 50 mil pesos: Obispo Verde de Andrés Eichelman Kaiser
Desarrollo de proyecto latinoamericano de 50 mil pesos: Puerto Padre de Gustavo Fallas
Uso de una Cámara Cine Alta: Encuentro en Burgos, para Andrea Álvarez.

Fuente: http://www.moreliafilmfest.com/

25 años, tienen sentido. Sistema Michoacano de Radio y Televisión.

2009-09-13T01:18:00.000-07:00

Hoy me gustaría retornar a este espacio -por enésima vez- con un tema que no tiene relación directa con el séptimo arte. Se trata de una felicitación a un medio público de comunicación que verdaderamente siento mío (como ciudadano mexicano) y NO como una institución que busca ser un medio gubernamental, una extensión y brazo mediático del partido o color en el poder. No al menos en su concepción original, ni en su función social para lo que fue creado. Aunque debo ser honesto también y sí aceptar -sin dejar de mencionar como mero referente- que este Sistema no ha tenido una trayectoria fácil, como el resto de sistemas de comunicación radiales o televisivos de este país. Los ejemplos bastan y sobran en demasía, pero hoy no nos atañen sus disfuncionalidades, ni sus problemas sindicales o presupuestales (otros aspectos duros de la realidad nacional de estos medios). Propongo en todo caso, rescatar brevemente detalles de su trayectoria sin más, ni más.

En este mes de Septiembre del 2009, el Sistema Michoacano de Radio y Televisión (SMRTV) cumple 25 años al servicio de la ciudadanía de este entrañable y hermoso Estado de México: Michoacán. Es un honor hablar de él y de los festejos que se avecinan porque este cuarto de siglo que el SMRTV cumple, no ha transcurrido en vano y por el contrario, su actividad ha influenciado fuertemente a las radios y televisoras regionales de este país. ¿Tienen una idea por qué? Hagamos un poco de memoria histórica y recorramos algunos aspectos que concretamente lo demuestran:

1. Fue el primer sistema regional de televisión en transmitir por los Satélites Morelos I y II.

2. El SMRTV cubrió y emtió su señal a nivel nacional en eventos como: La visita de Juan Pablo II, así como diversos informes de gobierno y toma de posesión de gobernadores de estados vecinos durante la década de los ochenta. Además de la ceremonia del Grito de Independencia, siendo presidente de la república el Lic. Miguel de la Madrid Hurtado, en Dolores Hidalgo, Guanajuato.

3. También su actividad se ha emitido a nivel internacional con eventos como el Festival Internacional de Música de Morelia y algunas ediciones del Festival Internacional Cervantino (en Guanajuato capital). Hoy en día, su señal sigue llegando a países como Estados Unidos y Canadá, a través de Mexicanal quien la retransmite por el sistema de cable Direct Tv. Más detalles en: http://mexicanal.com/

4. La trayectoria de este Sistema, también ha fomentado el análisis y la reflexión del quehacer de los medios públicos de este país, por ejemplo, un año después de su creación (29 de Septiembre de 1984), en 1985, realizó el Primer Encuentro Nacional de Televisiones Regionales, primer antecedente obligado de lo que más tarde sería LA RED (Red Nacional de Televisoras Educativas y Culturales, A.C.).
Al año siguiente, el Sistema Michoacano organizó el coloquio “La Televisión y el Niño” y no podemos dejar de mencionar la participación activa en cada una de las reuniones periódicas que organiza LA RED, donde se sigue proponiendo y discutiendo la actividad de los medios públicos mexicanos.

5. El año pasado (2008), en el marco de su Aniversario número 24 y bajo un contexto complicado de reformas legales (que hoy en día se siguen discutiendo), este Sistema organizó el Simposio "Los Medios Públicos en la Era de la Digitalización", en el cual sus destacados participantes llegaron a conclusiones muy interesantes que pronto podrán ser consultadas en una memoria electrónica que estará disponible en formato PDF en su portal. Estaremos pendientes de esta publicación y en su momento la daremos a conocer en este espacio.

6. Es considerado como uno de los canales regionales y culturales más importantes de México, después de Canal Once (del Instituto Politécnico Nacional), TV UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México) y Canal 22 del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA).

7. Es uno de los pocos canales de televisión que cuenta con unidad terreste satelital. Mérito que hay que reconocer a la actual administración y que muy pronto pondrá en funcionamiento. Así como la reciente digitalización de sus estudios y listos para esta era que se avecina.

8. Los festejos de este 25 aniversario promenten una intensa actividad que se va a desarrollar del 20 al 25 de septiembre con talleres, exposiciones, conciertos, obras de teatro, seminarios, conferencias magistrales y páneles de análisis. Aquí el programa y la calidad de sus invitados:

Click en la imagen para conocer el programa

Termino este post reconociendo que efectivamente los medios públicos -de México y cualquier país- deben ser medios de gobierno y no del gobierno, medios de los y para los ciudadanos y no para servir a causas partidistas, ni de ningún otra índole que no tenga como fin último el servicio a la sociedad. Su importancia radica en la vocación de desarrollo social y comunitario, bajo el espíruto de la difusión de la cultura, las tradiciones y los valores de las distintas comunidades a las que pertenecemos. Sin embargo, queda mucho por exigir a sus directivos, a su personal de base, a los gobernantes y a nosotros mismos como ciudadanos, porque estos medios son los que pagamos con nuestros impuestos y nos pertenecen como ciudadanía.
Es cierto que su marco legal debe modificarse. No es posible que operen con lo que los Congresos Estatales "consideran prudente" para su desarrollo y que el autofinanciamiento se descarte como un modelo realmente operativo, aún cuando hay ejemplos exitosos en otros países que podrían servir como muestra. Pero de estos temas hablaremos en otra ocasión. ¡Felicidades Sistema Michoacano de Radio y Televisión!

http://www.smrtv.michoacan.gob.mx/

Recomiendo algunas notas para ampliar la información sobre el SMRTV y/o estos festejos:
http://www.cambiodemichoacan.com.mx/vernota.php?id=108181
http://www.michoacan.gob.mx/SMRTV/XXV_aniversario_del_SMRTV
http://www.youtube.com/watch?v=3CS9ISC3eys

A propósito de los sueños (migratorios).

2009-06-04T19:02:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

En el archivo fílmico nacional (o por coproducción con otros países) se siguen incorporando títulos con temática de viajeros, pero no precisamente con la cualidad de turistas y el hedonismo que los motiva a conocer nuevos sitios. Se nota que sigue vigente la imperiosa necesidad de describir el difícil trayecto que viven los connacionales que deciden abandonar esta tierra y buscar en la del vecino una nueva oportunidad de vivir otra vida. Da igual prácticamente que vengan del sur, del centro o del norte (incluso de otros países) porque el objetivo es el mismo, burlar el Río Bravo, la migra, sobrevivir a los coyotes, el desierto, la corrupción, el calor y otros obstáculos.
En estos días especialmente me llamó la atención –después de la veda fílmica por causas de salubridad nacional ampliamente conocidas- que dos películas de migrantes se sucedan en las marquesinas de los cines: Sin Nombre de Cary Fukunaga y 7 soles de Pedro Ultreras. Para fines prácticos y lo que hoy pretendemos subrayar en este espacio, la primera producción será motivo de referencia.
Reza la sabiduría popular que cuando uno critica lo ajeno, olvidamos lo que hay en el interior de casa, o sencillamente toda la basura que pudiéramos sacar, la mandamos al último sitio del escalafón de nuestros intereses que motivan la crítica. En Sin Nombre, entre líneas se puede descifrar que efectivamente en la búsqueda del sueño americano, las únicas víctimas no son los nuestros, también los acompañan en la tragedia los vecinos de países del sur que hacen una escala difícil en Guatemala y se las ven aún más negras cuando tienen que lidiar con la terrible migra mexicana, en este caso, la del estado de Chiapas. Por ejemplo, en una escena poco explícita pero sí de una hermosa sutileza, vemos cómo la protagonista de Sin Nombre, la adolescente hondureña Sayra, junto a su tío y su padre, son “extorsionados” cuando los revisan las autoridades migratorias de nuestro país bajo el pretexto de una revisión. La escena siguiente los muestra con mayor precariedad económica y a la espera de un tren que los ayude a cruzar por territorio mexicano.

La trama es evidente. Sayra y sus acompañantes desean pasar a Estados Unidos pero lo que hace a esta producción “peculiar” y hasta cierto punto increíble, es la relación que Sayra establece con El Casper, un integrante de una pandilla de origen salvadoreño (establecida ya en territorio nacional y ampliamente en la unión americana) que intenta huir de sus filas después de haber desertado de una forma violenta y haber sufrido un maltrecho amoroso. De hecho, la persecución de los maras en contra de El Casper es lo que complementa el conflicto y de alguna forma, utiliza como pretexto para que éste decida ayudar a la adolescente centroamericana.
Sin Nombre devela la red de complicidades que existen en torno a un tema por demás conocido y no centra su esfuerzo en analizar el fenómeno de las pandillas, ya que sólo lo utiliza como marco de referencia para el personaje antes mencionado. Prácticamente da lo mismo que sean maras o neonazis, narcotraficantes o tratantes de blancas. Lo que importa en todo caso es mostrar que hay quienes se sienten nacidos para perder y quienes nacen en la miseria y desean escapar de ella, aunque en ello se les vaya la vida o incluso la pierdan, como sucede con muchos migrantes en el mundo.
Amy Caufman y Canana Producciones, productores de esta cinta, apuestan por conducirnos a una realidad bastante cruda, arropados por una serie de escenas violentas muy bien desarrolladas en cuanto a montaje se refiere, pero no muestran más violencia de lo que este fenómeno es por sí mismo. Vale la pena trepar a la cima de los vagones por donde nos lleva el metraje de esta producción mexicana que contó con el apoyo del Instituto Sundance.

Texto publicado el domingo 31 de Mayo de 2009, en la columna quincenal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Cuando el cine se transformó en un blockbuster catarriento.

2009-05-04T11:56:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Esta crisis no podía ser más cinematográfica. De verdad, de un par de semanas a la fecha, uno se siente dentro de los fotogramas del apocalipsis encarnado en un terruño llamado México. Un espectacular paraje surrealista. Y es que los ingredientes de este filme engranan y se integran del tal forma que la expectación del “respetable” no podía ser mejor y sus reacciones… ¡qué decir de ellas!, las que cualquier guionista profesional desearía para su obra: paranoia intensa, delirio de persecución, histeria colectiva, pánico abrumador, risa nerviosa, exceso de escepticismo y humor negro que deriva en llanto o alegría. Sentimientos que, por supuesto, subyacen de una envidiable combinación de temas y subtramas (a continuación enlistados):
1. El narcotráfico en su máximo esplendor.
2. Aprietos económicos permanentes (esto no es nada raro, pero vaya que importa).
3. Medios de comunicación masiva, especialmente las televisoras, en su papel circense de alarmistas y desinformadores profesionales.
4. Elecciones federales en puerta (otra pulga más para el perro flaco) y la aprobación de leyes que el pueblo ni se ha enterado.
5. La presencia de organismos internacionales como la OMS (Organización Mundial de la Salud), con muchas ganas de aportar unos millones para el respaldo de la economía nacional. El Fondo Monetario Internacional y el Banco Mundial también figuran por aquí.
6. Supuestos agentes terroristas financieros internacionales ambulatorios (qué chic sonó esto).
7. Gente en la histeria por conseguir un tapabocas y hacer compras desmesuradas de supermercado, con medicina antiviral incluida a como de lugar y a cualquier precio.
8. Un presidente y su gabinete que dan conferencias de prensa a causa de la mutación de un virus desconocido proveniente de la combinación de tres entes que en algún momento tuvieron que tocarse, frotarse, meterse unos con otros o juntarse de alguna forma (pollos, cerdos y humanos, usted elige la combinación)… y
9. El gobierno de los Estados Unidos que no puede faltar.

Referencias cinematográficas de este tipo sobran. Triunfalistas normalmente ellas. Lo interesante de este filme es que no estamos frente a una estructura tradicional IDC (inicio-desarrollo-conclusión), ya que se parece más a alguno de carácter futurista, casi como un videojuego, con los obvios rasgos interactivos donde el usuario tiene la última palabra y la conducción de la trama. Con una fotografía llena de matices azules –por el tema salubre hospitalario- y con secuencias teñidas de un rojo intenso que cualquier productor comercial añoraría para vender más taquilla. Los zombies aparecen muy esporádicamente por aquello de la verosimilitud. El montaje, por supuesto, incluye gráficos de los titulares de periódicos y algunos ralentizados con violines de fondo para acentuar el número de muertos (cómo se nos olvida cuánta gente fallece diariamente por falta de agua)…En fin, como no hay cines a los cuales acudir, esta butaca se conforma con disfrutar de este tremendo éxito veraniego con un final incierto y con cambios incesantes. Ojalá que nos veamos pronto en el cine –cuando lo abran- y esperemos nuestro clásico terrible verano cinematográfico que desde algunos años hemos reseñado en este espacio. Si ya terminó de leer esta columna, lávese las manos, por favor.

Texto publicado el domingo 3 de Mayo de 2009, en la columna quincenal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

La lucha de la profesión (a veces eterna, a veces dolorosa).

2009-04-17T20:05:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

A mi gran maestro y amigo, Enrique Villegas, por su próximo aniversario de vida y quien me ayudó a reafirmar mi vocación-profesión.

Hace algunos años, por lo menos 5, charlaba con un desconocido en la barra de un bar. Esa noche esperaba a una amiga que se había demorado más de lo habitual y que de hecho nunca llegó. Su servidor no tenía prisa, ni un asunto amoroso que atender con ella (quien pensó que habíamos quedado de vernos la noche siguiente y cayó rendida a las extremidades de Morfeo). Gracias a dicha “espera”, esa ocasión pude tender un diálogo profundo con este interlocutor anónimo –nunca me dijo su nombre- que se enredaba y viajaba entre temas como los sueños (desde la mirada en que uno se vislumbra a futuro cuando se es pequeño), el trabajo cotidiano, las diferentes vocaciones profesionales a las que todos en algún momento aspiramos y por supuesto, el amor, pero no sólo de pareja. Admito que fue una charla muy extraña, incluso teñida de una atmósfera quasi cinematográfica, pero bastante grata, por demás significativa y mejor aún, sin el típico cliché de 2 machines despechados que beben cuantiosas cantidades de cerveza bajo la luz neón de una taberna. De hecho, hoy recuerdo ese encuentro con mucha precisión después de ver sobre el lienzo blanco iluminado por esa peculiar luz multicromática, la última cinta de un gran director que admiro profundamente: Darren Aronofsky con El Luchador (The Wrestler, 2008). Y es que no puedo dejar de asociarla a otro momento de mi vida porque en esta plática, con este hombre de unos 48 años aproximadamente, descubrí que existimos personas que nacimos con una vocación, con una especie de misión en la vida y habemos otros cuantos que la descubrimos con el tiempo o después de renunciar, como en el amor y los sueños, a otras posibilidades. Es muy cierto también que, por las circunstancias que ustedes gusten y manden, otro porcentaje de personas terminamos siendo y haciendo lo que menos imaginamos o en situaciones más extremas, algo que odiamos hasta el fastidio interminable o sin alguna presunta escapatoria. De la manera que esto sea, hoy en día me sigo preguntando si uno es lo que hace o lo que ama o, sin en mi caso, pudiera hacer otra cosa que lo que realizo, soñé o decidí para mi vida. Sobre estas escabrosas mareas vivenciales nos sumerge la trama de El Luchador, con el impecable regreso de Mickey Rourke en el papel protagónico (y casi autobiográfico) del “carnero” Randy Robinson; un gladiador profesional de lucha libre que está a punto de retirarse, con una senda de cicatrices que le recuerdan lo grandioso que fue durante la década de los 80, pero al mismo tiempo, su decrépito estado actual que lo obliga a buscar otra profesión dada su condición bancarrota. Por si esta llave al pescuezo no fuera suficiente, Randy tiene que driblar la nada menos dolorosa batalla contra la soledad, en la cual aspira a reencontrarse de nuevo con su hija (a quien prácticamente nunca atendió) y encontrar en una bailarina de tabledance –con Marisa Tomei al frente de este personaje- el amor idílico de una pareja.

Estamos frente a una cinta que aparentemente rompe con el esquema de montaje, dirección y argumento al que Aronofsky nos había subordinado en otros de sus títulos, como la ultra fragosa Pi, El orden del caos (1998), la milenaria y estridente Requiém por un Sueño (2000) o la alucinante Fuente de la Vida (2006). Todas ellas recomendables, como este luchador que aparentemente nos vende circo, al que no le hace falta un escandaloso soundtrack, pero su pan y su gloria le duran hasta que su físico se lo permite. ¿Acaso podría ser la historia de los boxeadores, de algún futbolista o incluso algún rockstar? Corran a verla.

Texto publicado el domingo 19 de Abril de 2009, en la columna quincenal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

La (TSNR) en La Elegida.

2009-04-10T16:53:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Algunos autores son terriblemente particulares en el uso del lenguaje cinematográfico. Utilizan abreviaciones para todo y si alguien las desconoce se encuentra en un serio conflicto en la lectura de una explicación teórica-cinematográfica. Me refiero concretamente a lo que se conoce en el lenguaje de Cervantes como la Tensión Sexual No Resuelta (TSNR) o la Unsolved Sexual Tension (UST). Resulta bastante nefasto que un escritor de por sentado que su lector sabe o domina el uso referencial o significante de las siglas que maneja, especialmente cuando se trata de un texto que habla sobre la parte más universal de la humanidad: los sentimientos. Y si esto pasa a nivel escrito, la experiencia se magnifica cuando dichas siglas aparecen en una conversación oral (me da la sensación como si uno estuviera hablando con un doctor o un publicista que raya en lo snob).
Estoy de acuerdo que la experiencia y el nivel de especialidad de los textos puedan variar o ser alto por sí mismos, pero vamos aclarar algo, la teoría del cine a nivel narrativo dista por mucho de ser un tratado de física o química. Si por principio de cuentas estos autores se tomaran los 33 o 56 segundos (y de verdad que esto es rayar en la exageración) que les toma escribir completa la frase o la palabra, una vez y al inicio de su texto, otro gallo nos cantaría y esta columna hubiese comenzado en la clásica intentona de reseñar una película, hoy concretamente, la última de la permanentemente nostálgica directora catalana, Isabel Coixet: La Elegida (Elegy, 2008).

La historia nos adentra en la vida de David Kepesh, un profesor universitario sesentón que gusta de seducir a sus alumnas, pero anteponiendo una barrera emocional a sus encuentros. Èl (sorprendentemente interpretado por Ben Kingsley y con unos niveles de contención dramática asombrosa) en su búsqueda del amor eterno y fugaz se enfrenta a una guapísima alumna de ascendencia cubana llamada Consuela (sí, con “a” al final) Castillo, aquí representada bajo una escultural Penélope Cruz. La relación que se deriva y nos envuelve durante todo el conflicto del protagonista es la típica que conocemos bajo la frase antes anunciada: Tensión Sexual No Resuelta, frecuentemente utilizada en telenovelas, pero sobre todo series tipo Friends, Lost y un enorme etcétera que no deja de utilizar esta exitosa fórmula. Encuentros de este tipo se caracterizan por el deseo emotivo-sexual, o incluso afectivo, que se da por parte de ambas partes, pero que cuando parecen ocurrir, algo sucede para postergarlos. En La Elegida desaparece casi de inmediato cuando David en los primeros 30 minutos conquista a Consuela, sin embargo, se incrementa cuando terminan su relación y el tiempo hace de las suyas. Para ambos el camino se complica y el implacable tiempo se desliza por las respectivas elipsis que conjugan dos historias paralelas: por una lado, el mejor amigo de Kepesh ha muerto y su hijo, que lo ha juzgado desde el momento en que se divorció de su madre por su moral libertina, ahora requiere de su ayuda. Sin duda, un filme que se cocina a fuego lento y con secuencias de igual cadencia, pero que se disfruta en la inteligencia de su guión, el cual se basa en la novela homónima de Philip Roth.
De verdad vale la pena sentir la seducción que propone la directora catalana porque nos invita a zarpar por mareas que nos son a todos propias, el amor, el odio, la pasión, los celos y el desprecio. Parsimoniosa quizá para quienes disfrutan de lo bélico, pero una excelente parcela llena de palabras envueltas por un celuloide que nos permite seguir reafirmando que la vida es única y que los amores eternos siempre nos acompañan, aunque se hayan marchado desde hace muchos años. Brindemos por ellos y por las buenas cinta de Isabel Coixet (otras recomendaciones de ella: Mi vida sin mí, 2003 y La vida Secreta de las Palabras, 2005).

Texto publicado el domingo 5 de Abril de 2009, en la columna quincenal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Una reseña muy retro: Revólver.

2009-03-20T20:23:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Resulta verdaderamente patético por parte de su servidor (si más de alguno cree suficiente el calificativo o se me permite) que el día de hoy reseñe una producción que se estrenó hace 4 años y que a penas en estos días está en la cartelera de nuestra capital michoacana. Pero hay cosas que nos llegan al presente de manera obtusa, sorprendente e incluso insospechada, a pesar de todos los pesares, o del letargo de los distribuidores-exhibidores que por casi dos años presumían en marquesinas los posters promocionales de este Revólver (Revolver, 2005). Es más, la sensación que invade mi imaginación sobre este hecho, es como la que vivieron los cinéfilos de mediados de los 40´s cuando recibían noticias de una batalla que se libraba en algún territorio europeo y hacía más de uno o dos meses que la propia guerra había terminado. En fin, de la manera en que haya sido, hoy podemos hablar de esta auténtica arma cinematográfica que disparó el formidable director británico Guy Ritchie, culpable de acertar otros dos verdaderos cañonazos como Snatch (2000) o la reciente en pantalla RocknRolla (2008), evidentemente también recomendables para sus ojos.

Revólver nos conduce por el insigne universo del género de gánsters y su característico ritmo trepidante de violencia, apuestas, traiciones y el modus operandi de las mafias, con dosis impresionantes de asombro, suspenso y un final ampliamente polémico (aquí, como siempre, usted tendrá la última palabra). Protagonizada por un notable Jason Statham que encarna a un enfermizo apostador llamado Jake Green, el metraje de esta historia nos hace partícipes en 105 minutos de cómo éste tendrá que enfrentarse a un líder mafioso, Dorothy Macha (un bestial Ray Liotta), y su lucha por demostrarse el uno al otro quien detenta el mayor poder y el mejor juego ganador. Como cualquier buena cinta que deambula por estos temas y género, las escenas de brutalidad también compiten entre sí por dejar al espectador con la mayor cara de asombro posible o impavidez por no dar crédito a lo que se vive frente a esa pantalla. Pero es que definitivamente, en Revólver, también juegan un papel crucial la excelente fotografía de Tim Maurice-Jones y la rimbombante música de Nathaniel Mechaly, que en su conjunción con la recurrente y muy elocuente voz en off del protagónico Jake, no lo dejarán impune en sus pensamientos post-proyección (una cualidad de los guiones y la excelente orquestación de elementos del señor Ritchie; conocido en la farándula por ser el ex de la reina del pop, Madonna). Pero déjeme decirle otra cosa de este precioso Revólver que tendrá antes sus ojos y oídos. La lectura secundaria que nos plantea la cinta, es la que se llevará a casa como mensaje, más allá de la “complicada” lucha entre gánsters que uno percibe como temática principal de este thriller. Así que esté atento a los detalles porque las conclusiones que de ahí se deriven pueden invitarnos a un verdadero viaje que trastoque la barrera de la ficción y nos invada a la esfera del análisis personal del yo.
Lo afortunado de esta cinta, es que si se la pierda en cartelera, probablemente podrá conseguirla en un videoclub (¡carajo, como no podrá serlo si ya pasaron 4 años!), o quizá en video bajo demanda en algún sistema de cable, pero por favor, no deje de sentir la adrenalina que dispara en cada escena este Revólver.

Texto publicado el domingo 22 de Marzo de 2009, en la columna quincenal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Apuntes y deliberes sobre el Tercer Simposio Internacional de Televisión

2009-03-06T09:21:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Aguascalientes, México. Notas personales para la posterioridad, mezcladas con impresiones y visiones. Interior del bellísimo Teatro Morelos, día 1 (por la mañana). Espacio lleno de alumnos y profesionales ávidos -o no tanto- de escuchar sobre el futuro de lo que muchas personas definen como la caja estúpida: la televisión. Aclaremos ahora, no cualquier televisión…sino la que se hace desde la trinchera pública, al servicio y pagada por el pueblo, en otras palabras, la que no vive del rating, sino la que provee un servicio de educación, entretenimiento y cultura, es decir, un medio de comunicación público. Imagen mental número 1. El cine jamás podrá negar la paternidad que detenta frente a la televisión, como la fotografía nunca dejaría de hacerlo frente al primero. Aunque este espacio se dedica al análisis del séptimo arte, indiscutiblemente el futuro de la producción, exhibición y distribución fílmica dependerá –como siempre lo ha hecho- de la evolución de la tecnología y hoy más que nunca de la inminente digitalización de la televisión.
Conclusiones recurrentes del primer día: Es imparable la democratización de los medios de comunicación (casos youtube, facebook, y un enorme etcétera), la reciprocidad y retroalimentación entre productor y usuario para cerrar un ciclo de comunicación y no de mero intercambio de información, así como la conjugación y conjunción de diferentes medios a través de internet (factor hipermediático); un medio electrónico que hasta ahora está presente en un porcentaje interesante de hogares mexicanos pero que implica la marginalidad de millones de personas aquí y en el mundo entero y que desde ya, genera una brecha más profunda entre quienes acceden a sus redes y quienes se mantienen enredados en problemas de supervivencia básica: la salud, el hambre, la vivienda y el empleo.
Imagen mental número 2. En unos años ver televisión en internet será algo muy común no sólo en casa, sino en y con cualquier dispositivo móvil (teléfono, cámara de foto, de video, reproductores de audio comprimido [mp3-mp4] y lo que venga) y a la hora en que el usuario lo desee. Ante esto otra pausa reflexiva: ¿Será posible que el celuloide desaparezca? Seguramente quedará en la memoria y en nuestra nostalgia; hoy la prueba más próxima son todos los esfuerzos de los exhibidores por equipar sus salas con proyectores digitales. Eso explica la nueva y siempre bien ponderada fiebre del 3D. Definitivamente la apuesta de Disney y algunas otras empresas de dibujos animados. Ejemplos sobran hoy en cartelera: Bolt (2008), Coraline y la Puerta Secreta (Coraline, 2009). En fin, ante el próximo e “inevitable” escenario lo deseable es que con estos cambios también los mecanismos financieros sean más ecuánimes entre productores –quienes arriesgan su capital y sus historias- y quienes se dedican a exhibir y distribuir. ¿El autoempleo del productor estará tentado por fungir como un exhibidor virtual? Seguramente sí. No deja de sorprendernos que un cortometraje tenga 1 millón de visitas en pocas semanas de su puesta “on-line”; mecanismos antes inimaginables.
Día 2. Mismo reciento, afuera el calor a 32 grados antes de las 14:00 horas. La agenda de la jornada toca temas como la actual crisis, los nulos presupuestos que poseen lo medios públicos, así como la amplia oferta informativa y de entretenimiento que tendrá la digitalización (un canal de televisión, por ejemplo, podrá tener 4 canales independientes entre sí, más uno extra para datos, entre muchas otras virtudes). Pero estas preocupaciones topan en un mismo muro: los contenidos. En efecto, vamos a tener más canales, los medios públicos necesitan más dinero para equipamiento, pero eso si lo miramos con lupa nos daremos cuenta que es lo menos importante. La reflexión final será la misma: ¿Qué nos van a ofrecer y cómo regular lo que hasta ahora nadie puede regular, internet? Imagen mental número 3. No logro olvidar las charlas de pasillo de algunos asistentes expertos. La COFETEL (Comisión Federal de Telecomunicaciones) desaparecerá para cuando la digitalización que tanto les preocupa y regulan, llegue. La razón –según ellos- se sostiene en la tesis de que para entonces la televisión estará en lo que técnicamente se conoce como tecnología I.P. (en términos nada técnicos esto es algo como tener una dirección de internet) y no como la disfrutamos ahora (por cable o antena aerea). El cine invariablemente irá ahí y seguirá nutriendo la televisión, pero la duda que finalmente comparto con ustedes es si algún día dejará de existir el acto colectivo de presenciar una cinta bajo la oscuridad de una sala, junto a un conjunto de personas que comparten una historia en la delicia de la penumbra. Es pregunta y cargada de mucha tristeza.

Información del Simposio:
http://www.tercersimposiointernacionaltv.com/

Texto publicado el domingo 8 de Marzo de 2009, en la columna quincenal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Del inconveniente de haber nacido (viejo): Benjamin Button. Parte 1.

2009-02-09T00:44:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Hace algunos años, ya unos cuantos, cuando su servidor comenzaba a utilizar el correo electrónico, en la bandeja de entrada apareció un envío masivo titulado: “La vida según Quino…”. A pesar de no ser muy afecto a leer “cadenas” cibernéticas (normalmente insoportables), el descubrir en el asunto de este mensaje el nombre del carismático e inolvidable creador de Mafalda me saltó a la vista de inmediato y me llamó mucho la atención… aunado a que un gran amigo, que no suele reenviar mensajes de este tipo, había sido el encargado de mandar este forward. El texto comenzaba con algo como: … Pienso que la forma en que la vida fluye está mal. Debería ser al revés: Uno debería morir primero para salir de eso de una vez. Luego, vivir en un asilo de ancianos hasta que te saquen cuando ya no eres tan viejo para estar ahí…

Y así sigue el relato, con una retrospectiva de la vida de cualquier mortal, que desde esta mirada culminaría en la plenitud de un orgasmo. Hoy en día no sé –ni me interesa investigar- si realmente el caricaturista argentino (Joaquín Salvador Lavado) fue el autor de este texto tan célebre en su planteamiento, pero sí me pareció pertinente iniciar la columna de esta quincena con esa idea para hacer referencia a una increíble –en todo sentido- cinta que desde algunas semanas vi y me sigue dando vueltas por las distintas cortezas cerebrales (y que además, prometí hablar de ella en la edición pasada). En efecto, se trata de la multi-nominada El Caso Curioso de Benjamin Button, dirigida por nada más y nada menos que, David Fincher, el mismo cerebro maquinador de Alien 3 (1992) o la incomparable El Club de la Pelea (1999); magistralmente escrita también por otro célebre artista: Eric Roth, creador de guiones como Munich en 2005, El Buen Pastor (2006) y su Blockbuster fundamental: Forrrest Gump (1994) de la cual haremos alusión más adelante.
Si a este mezcla, le sumamos el talento de Cate Blanchett y un intermitente Brad Pitt, la película promete ser eufórica. Y es que no es para menos, el universo que plantea es exquisito por sí mismo: un niño, Benjamin Button, ha nacido con el diminuto cuerpo de un hombre de 80 años en un día muy particular (el fin de la Primera Guerra Mundial). Lo peculiar de esta “criatura”, a quien por cierto abandonan a la puerta de un asilo de ancianos, es que su vida comienza con un viaje hacia la desaparición –como todos lo tendremos- pero al modo que “Quino” propone.
Sí más de algún lector en este momento piensa que le he contado la película, me parece no he hecho más que platicar cuál es el asunto de la misma, porque esta mega producción por sí misma constituye un verdadero viaje en toda la extensión de la palabra. De hecho, hasta este momento sigo sin saber por donde empezar o qué parte sería la idónea para reseñar una producción tan bien confeccionada como esta: La música es seductora en todo momento, la fotografía insuperable con tonalidades que llenan cada fotograma y sutilmente lo dibujan desde una plástica que nos envuelve en nostalgia absoluta, la felicidad irreverente o el frenesí de las circunstancias por donde transitan sus protagonistas… y qué decir de su estructura narrativa que viaja entre acciones paralelas, saltos permanentes en el tiempo y múltiples narradores que conducen la historia desde perspectivas muy distintas y subtexto que sobrevuela todo el tiempo en nuestro inconciente: la vida jamás se detiene.

En El Caso Curioso… encontramos pues, un desarrollo fílmico armónico y extraordinario, que si bien es extenso –el metraje dura algo así como 166 minutos- no deja de ser un deleite en cada escena, que no está de más, ni de menos en un guión francamente redondo, o nunca mejor dicho, muy bien argumentado. Fiel a su naturaleza verosímil que lo envuelve y a la cual le es devoto en todo momento. Las comparaciones con la ilustre obra precedente de Roth son inevitables, pero es que tanto Forrest como Benjamin son personajes muy bien labrados por la senda de la narración audiovisual, con vidas propias y características que los hacen pasar a la posteridad como personajes emblemáticos.

Texto publicado el domingo 8 de Febrero de 2009, en la columna quincenal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

2009: Re-volver a la cinefilia.

2009-01-19T21:10:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez.

Después de un largo periodo de ausencia, hemos decidido reiniciar (o mejor dicho, retomar) esta columna literario-cinematográfica en el contexto de un 2009 que estará marcado en nuestra historia contemporánea por una etapa llena de contrastes, altibajos económicos en lo mundial-macroeconómico, lo político, lo social y por supuesto, en lo que atañe al séptimo arte y toda la cultura que subyace de él. Un año en el cual será difícil no hablar de crisis en cualquier ámbito de nuestra vida cotidiana, de falta de presupuesto para el desarrollo del cine nacional (y su incipiente o nula industria), de nuestras ya clásicas anécdotas de vivir el cine como un hecho social, la revisión de literatura cinematográfica rescatable y de todos aquellos quienes plano a plano construyen la historia de una disciplina que lucha por seguir contando historias, a pesar, de todos los pesares. Bienvenido pues el 09, su acontecer y todos ustedes que le dan vida a estas letras, que desde nuestra butaca trataremos de mantener con temas de su agrado, desagrado, polémica y por qué no, curiosidad vehemente.

Recordemos que los primeros meses del año, se construyen como un suculento manjar de festivales, estrenos y noticias que no dejan de sorprendernos a quienes vivimos lo cinematográfico como un goce, una forma de vida y/o quehacer profesional. Y para el arranque de este bocado fílmico, revisitemos algunas particularidades de la 66ª entrega de los Globos de Oro que ya ha perfilado lo que será la línea de lo que nos espera en cartelera en las próximas semanas (no olvidemos su gran influencia en la entrega de las estatuillas tan codiciadas para lo hollywoodense en meses venideros). Antes de señalar las producciones que merecen nuestra atención y que recomendaremos el día de hoy, vale la pena señalar que los Golden Globes este año no han podido recuperarse –una vez más- en sus niveles de audiencia a los que estaban acostumbrados sus respectivos patrocinadores. Qué pena para quien tenga que sufrirla. ¿La causa? La huelga del año pasado que sostuvieron los guionistas del gremio sindical norteamericano. ¿Será? No obstante a ello, y que de poco nos vale como cinéfilos, como también lo son los miles de dólares que cuestan los vestidos de las estrellitas que –creen que- levitan sobre su alfombra roja, resulta más interesante señalar que el jurado de este evento lo constituye la prensa internacional y no los miembros –judíos en su mayoría- de una Academia, como pasa con el compadre Oscar.
Amagados por la lista de detalles de este festival y entrados en el camino de recomendaciones que de él se derivan, la gran triunfadora, Slumdog Millionaire, del británico Danny Boyle (Trainspotting 1996, La Playa 2003, Sunshine 2007, entre otras) resultaría la encomienda obvia o preferida para usted amable lector, sin embargo, por muchas razones –que ya dedicaremos en la siguiente edición de esta columna- alentamos a ver como primera opción la inusitada y excelente cinta: El curioso caso de Benjamin Button, del enigmático director David Fincher (Seven, 1995, El Club de la Pelea, 1999, Zodiac, 2007) , que por cierto, no ganó un solo premio y ya puede ver en cartelera. Ojo, no queremos decir que Slumdog… no valga la pena, de hecho, es una gran película y muy recomendable pero insertarse en el universo que plantea El curioso… es simplemente un deleite en extremo.
Como mejor película extranjera, el galardón ya se veía venir por el estruendoso ruido que causó Waltz with Bashir y que resulta tan ad-hoc a los desafortunados y condenables conflictos que se suscitaron en la franja de Gaza. Si tiene oportunidad, no se la pierda. Vaya reflexión la que plantea. Como también no debe perderse en su lista de películas por degustar este 2009, Vicky Cristina Barcelona del neoyorkino septuagenario Woody Allen, quien resultara triunfador en el rubro más polémico de este certamen: Comedia o Musical. ¿Acaso toda comedia implica un musical? Qué patético.
Pero dejemos hasta aquí la recomendación de los globos y cerremos esta columna aplaudiendo de pie el esfuerzo de Corazón del Tiempo, la cual se encuentra compitiendo en la selección oficial del 25° festival de cine “independiente” Sundance. Primera obra de ficción realizada en y desde las entrañas de una comunidad zapatista, dirigida por Alberto Cortés y co-escrita por el periodista Hermann Bellinghausen. Enhorabuena y que vengan más cintas desde el interior de nuestros pueblos.

(Fotograma de la Cinta: Corazón del Tiempo. Fuente: La Jornada On Line)

Texto publicado el domingo 25 de Enero de 2009, en la columna quincenal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Simposio del SMRTV.

2008-09-28T23:59:00.000-07:00

Atenta invitación al Simposio "Los Medios Públicos en la era de la Digitalización". Este evento se realizará en el marco del 24 Aniversario del Sistema Michoacano de Radio y Televisión.
Día: Próximo Viernes 3 de Octubre de 2008.
Lugar: Centro Cultural Clavijero.
Morelia, Michoacán, México.
ENTRADA GRATUITA.

Invitados de primer nivel con reconocimiento nacional e internacional reflexionarán sobre el quehacer de los medios públicos, sus terribles diferencias con los medios comerciales, el marco legal que los limita en su actuar y el inminente proceso de digitalización que tienen que afrontar.
¡Apoyemos los medios públicos!

¿Porno y ropa Diesel?

2008-09-28T23:43:00.000-07:00

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La creatividad es infinitamente proporcional para develar de forma inteligente (o incluso graciosa) lo que muchos se empeñan por ocultar o incluso tachar de inmoral o calificar de forma absurda y estúpida. ¿Ustedes qué opinan? Saludos. Prometo volver pronto con los martes de posteo. Gracias por la paciencia. Betursus.

Los menesteres de escribir historias: Gerardo de la Torre.

2008-09-10T09:57:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Imaginen esta escena ocurrida hace un par de semanas. Ocho y medio (Otto e mezzo, 1963) de Fellini en una pequeña tele que observan veinte asistentes a un taller de guión cinematográfico en una casa antigua del centro literario de Aguascalientes. Atentos escuchan la añeja voz de un admirable escritor mexicano que narra la cinta con argumentos que explican la naturaleza del hecho cinematográfico, la concepción estética-política de este director italiano y algunas reflexiones nostálgicas del México de ese entonces, el de principios de los sesentas (1) . Este narrador es oriundo de Oaxaca, con setenta años de letras que lleva acuestas en su rostro moreno de ojos grandes y pelo blanco, el mismo que devela su experiencia literaria y sus noches de parranda con sus camaradas Vicente Leñero, Pedro Armendáriz Jr, su gran amigo Felipe Cazals o su entrañable profesor, el gran Juan José Arreola. A él es a quien dedicamos esta columna, a este personaje que ha vivido entre tinta, cantinas de la Ciudad de México, cine y el oficio de contar historias: Gerardo de la Torre. Lo que pasó en esa sala fue fascinante pero es lo que menos importa contar por ahora.
Hijo de padre petrolero e incluso él mismo obrero de este sector energético en su juventud (factor que lo marcó en cuanto su obra literaria se refiere), este escritor reafirma que el verdadero guionista de cine (o cualquier artista que se precie de serlo) es un ente que viaja constantemente bajo la preocupación de plasmar en su trabajo una reflexión sobre nuestra condición humana y su problemática social de su entorno, sea universal o inmediato, e incluso independiente del género y el tono que utilice en su relato.
Gerardo de la Torre es un verdadero personaje por sí mismo, uno que se recrea y reinventa en cada gesto o frase que lo patenta como alguien admirable y fiel a sus principios y convicciones de auténtica izquierda (no arribista, ni oportunista), de los que han sido partícipes y han sido fundamentales para remover los cimientos de nuestro México de los últimos 50 años. Su trabajo incluye cientos de cuentos, tiras cómicas, guiones de televisión y cine, pero lo que más destaca de él es su sencillez con la que afrenta la vida y algo que es notorio de su obra: la solidez y el conocimiento de sus personajes (reconocimiento público a esto son los múltiples premios que ha recibido, como el Nacional de Novela José Rubén Romero por Los muchachos locos de aquel verano en 1992 o el de 1988 por Hijos del Águila, otorgado precisamente por Pemex en su celebración de los 50 años de la expropiación).

(Gerardo de la Torre, guionista, novelista, etc.)

Periodista, traductor, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte desde 1994, Gerardo de la Torre es toda una corporación en el arte de narrar historias, armado permanentemente con una fuerte dosis de humor negro y frases populares (o incluso inventadas) que revientan la solemnidad de cualquier interlocutor. Su personalidad relajada lo delata siempre, a pesar del entorno. Su inventiva literaria transita entre la amargura, la ironía y el humor inteligente como herramientas para verter la verdad y la congruencia e incongruencia en la evolución de sus relatos, acciones individuales y sus personajes verdaderamente empáticos. Desde aquí un homenaje a De la Torre y por supuesto una recomendación final: El guión: modelo para armar. Segunda Edición. México, Ficticia, 2005. 176 pp.

(1). Cuando precisamente Guido Anselmi (el protagonista infinitamente interpretado por el gran Marcello Mastroianni) se urdía antes los ojos de un público que no entendía su motor de vida en dicha historia, ni el montaje que resultaba agobiante entre recuerdos, alucinaciones y el presente de esta narración fílmica.

Texto publicado el domingo 14 de Septiembre de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Juego de Pedales (Cortometraje)

2008-09-10T09:07:00.000-07:00

Este es un corto de un gran amigo español, Alfonso Martínez Guardia, en el cual tuve el honor y la oportunidad de participar como director de fotografía. Está protagonizado por Mamem Camacho y Luis Arrasa, espero que lo disfruten tanto como yo.

Un día después.

2008-08-12T07:56:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

La tecnología cada vez se incorpora a nuestra vida cotidiana de formas muy sorprendentes. El cine no es la excepción. Por ejemplo, no necesitamos asistir personalmente a la última edición de Expresión en Corto (el festival más importante de cortometraje mexicano) para ver los cortometrajes ganadores, o tener que realizar un viaje trasatlántico para conocer algún segmento de las películas galardonadas de festivales como Cannes o Berlín. Hoy en día, internet acorta esas distancias y nos da la oportunidad de observar productos que antes eran inimaginables prescindiendo de un VHS o un DVD, con su respectivo reproductor y televisor...
Blogs, youtube, páginas personales, institucionales o universitarias, así como otros gadgets tecnológicos (tipo ipods o reproductores de mp3) proporcionan a los internautas producciones que hace algunos años eran inalcanzables. Arranco la columna de hoy con esta reflexión porque la entrevista que a continuación leerán tiene que ver con la forma en que pude ver el cortometraje ganador –en la sección Guanajuatense- de Expresión en Corto 2008. Me refiero concretamente a Un día después, del realizador oriundo de Moroleón, Hiram G. Rodríguez, quien amablemente me facilitó su corto a través de su ipod aquí en esta capital michoacana.

Alberto Zúñiga: Hiram, sabemos por la prensa y la difusión del festival que este es tu primer trabajo y que incluso fue un momento muy emotivo cuando te dieron el premio porque no esperabas ganar… ¿qué significa para ti un premio de esta magnitud en un festival tan importante a nivel latinoamericano?

Hiram G. Rodríguez: Me ilusiona mucho la responsabilidad de haber ganado este festival porque mi siguiente trabajo debe superar este. Me obliga a conocer mejor la técnica, el uso de iluminación, las cámaras, etc. Además, el haber estado ya en la selección oficial era un premio para mí.

(Hiram G. Rodríguez / Fotografía de Celular)

A.Z. : El stopmotion es un trabajo que requiere de mucha paciencia, ¿cuánto te tomó elaborar Un día después y qué técnica utilizaste?

H.G.R.: Este corto se hizo con una cámara de fotografía doméstica (Tobe, su acompañante y amigo la muestra y ríen junto a Javier, otro de sus cómplices de este proyecto). Combiné el stopmotion tradicional cuadro a cuadro, pero a 16 fotogramas por segundo, y animación 2D con software, todo editado en una máquina armada.

A.Z.: Un día después te dio un trofeo y la posibilidad de una beca, ¿qué otras cosas has obtenido a raíz de este premio?

H.G.R.: Se han abierto muchas puertas, por ejemplo, se acercaron algunos productores para ofrecerme su apoyo para dirigir nuevos proyectos y actualmente ya contamos con el soporte de un despacho de diseño gráfico y una universidad para sacar 300 copias del corto.

A.Z.: Como siempre sucede en el cortometraje y en general en el cine, no hay suficientes apoyos… ¿contaste con algún apoyo institucional o privado?

H.G.R.: Pedí apoyo pero no recibí nada. No pedía dinero, sólo un espacio para trabajar. Así que tuve financiarlo por mi cuenta, con un costo aproximado de dos mil pesos.

A.Z.: Sé que es una pregunta que te han hecho muchas veces, pero me gustaría que nos contaras cuales son las dificultades a las que te enfrentaste como realizador independiente.

H.G.R: No hubo dificultades porque me gustaba mucho estar animándolo, sin embargo, debo decir que la plastilina corriente con la que trabajaba derretía los muñecos. Así que tuve que rehacerlos 3 o 4 veces, lo cual a veces me desesperaba.

A.Z.: Estos proyectos son de mucha paciencia y hasta cierto punto necedad. ¿Cuánto te tomó concretar este proyecto y de qué trata?

H.G.R: Tardé un año y seis meses para terminarlo y la historia trata de un anciano de 80 años que un día se vuelve loco y su locura come su cerebro poco a poco. En sus alucinaciones este personaje le da vida a los objetos que están a su alrededor al punto de convivir con ellos… en esos momentos le da mucha hambre y siente que trae un alienígena dentro. Así que trata de abrirse el estómago para sacarlo… Es un tema de demencia surrealista que surgió de algo que un día soñé. El hombre es un ser solitario y personalmente disfruto mucho de la soledad.

A.Z.: Después de Expresión en Corto, ¿qué sigue, en qué festivales más estás participando?

H.G.: Ya estoy en la preproducción de otros proyectos y de momento Un día después ya está en la selección oficial de Mantaraya en Nayarit y en Cinemanía de Toluca.

Terminamos la entrevista e Hiram G. Rodríguez, un joven alegre de un metro y ochenta y tantos centímetros, desconecta su ipod de mi máquina y se despide con una frase que – a modo de risa nerviosa- enuncia que “el cine se hace con la cabeza y el corazón”. Más información sobre este joven cortometrajista o para adquirir una copia de su trabajo, escribir a: hirammstein@hotmail.com

Texto publicado el domingo 3 de Agosto de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Lecciones de Mercadotecnia con el maestro bonachón...

2008-07-28T10:42:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

La segunda parte de la endemoniada y reciente cinta del tapatío Guillermo del Toro se revela ante sus fans como un producto estupendamente dirigido y manufacturado, pero carente de sustancia a nivel dramático, con un guión por demás flojo y un metraje que da indicios o la sensación de ser infinito en el minuto 115. A pesar de la incorporación de un gran número de personajes que no logran desarrollarse en su vida exterior (de cuando inicia la proyección hasta que acaba) y una historia que recurre al lugar común como recurso para ganar adeptos, empatía o risas, Hellboy II: El Ejército Dorado (Hellboy II: The Golden Army) se ha posicionado en las salas de cine de todo el mundo como otro blockbuster veraniego a favor de nuestro regordete y exitoso compatriota. Pero esto no debe, ni tiene por qué extrañarnos en lo absoluto. Los directores de cine como Del Toro están en las ligas mayores de la industria fílmica y se dan el lujo de hacer verdaderas obras de arte y personalísimas, como la multipremiada El Laberinto del Fauno (2006), o echar andar toda una maquinaria de mercadotecnia y publicidad a favor de algo tan comercial, realizado por mero divertimento y dinero, como esta segunda parte de Hellboy (que por cierto, se basa en el cómic Dark Horse de Mike Mignola). La pregunta inmediata entonces es: ¿Por qué triunfa en cartelera una película tan mal escrita y bien dirigida? La respuesta es menos complicado de lo que parece porque es cuestión de inteligencia y estrategia. Del Toro y sus cuates, comenzaron a dar avances, o mejor dicho, probaditas de esta secuela desde diciembre del año pasado con fotografías del rodaje y el mismísimo tráiler de la cinta previsto para estrenarse el 20 de diciembre (fecha a la que se le dio gran difusión multimediática como un día quasi apocalíptico). Evidentemente el objetivo era generar expectativa y comenzar la preventa de su éxito por el lado más preciso: los fans. Por otro lado, la invaluable ayuda de gente tan alivianada, desinteresada, altruista y millonaria como Steve Jobs, que le “permite” posicionar ese mismo tráiler en su portal de internet (Apple), hace que Hellboy II genere miles de descargar diarias, así como ventas anticipadas del soundtrack comandado por el, ya leyenda, músico-compositor Danny Elfman (entrañable compadre de chamba de Tim Burton). Claro, con una respectiva lana de por medio para todos. No cabe duda que el barbón los hace y ellos saben cómo hacer dinero, mucho dinero. Por si esto no fuera suficiente, Del Toro recurre a los añejos conocimientos del batallón de los cincuentas o trucos publicitarios de invitar alguna marca destacada para que aparezca a cuadro (product placement o posicionamiento de producto). En este caso, el caprichito fue para una empresa cervecera mexicana, a quien el también director de cintas como Blade II (2002), Mimic (1997) o Cronos (1993), le dedica una borrachera muy prolongada entre dos de sus protagonistas (por lo menos 5 minutos) y que se pudo reducir elípticamente a dos planos secuencia de máximo 20 segundos cada uno y eso ya podría ser una eternidad…
La estocada final para este éxito financiero y para demostrarnos cómo se puede ser un director de culto y comercial a la vez, se consumó cuando nuestro estimadísimo Del Toro anunció que para el 2011 y 2012 estará dirigiendo las respectivas El Hobbit I y II, (del escritor creador de la saga El Señor de los Anillos, J.R.R Tolkien) como otra prueba más de su solidez como director y su madurez en este oficio de hacer películas y venderlas. Sigamos aprendiendo del maestro, pero esperemos también que nos regale otra película tipo el Laberinto… u otro suspenso como El Espinazo del Diablo (2001) porque un hipotético Hellboy III no me arriesgaría a ver.

Texto publicado el domingo 27 de Julio de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

El panda apasionado…

2008-07-02T10:50:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez

La pasión es un tema delicioso e interesante, fácil de detectar en la acción cotidiana de las personas. Es un motor de vida (leit motiv) que empuja y alienta a seguir adelante a pesar de los tropiezos. Cuando se vive intensamente, se desborda por la corteza de la piel en señales de humo que contagian en el ánimo y se vislumbra en la mirada, en las palpitaciones, en el torrente sanguíneo... De verdad, es algo que no muy fácilmente se puede ocultar, independientemente de la actividad que se realice.
Sin embargo esto de la pasión es un tópico que resulta muy extraño en nuestros días y en la forma en que se percibe en una sociedad en tiempos donde la economía y el mercado mundial dictan nuestras conductas diarias. Por ejemplo, por qué algunas publicaciones la asocian al éxito que se traduce en fortuna financiera, un hermoso rostro y una figura escultural (con anorexia y cirugías incluidas), como si estos elementos fueran la condición sine qua non para vivirla… ¿Acaso alguien sin estos atributos no se puede permitir ser un apasionado?
Es curioso también que en su acepción lingüística encontremos algunos atributos contradictorios a lo que el consiente colectivo ha asumido como su significado, por ejemplo, en el diccionario de la Real Academia Española aparece como una: acción de padecer; lo contrario a la acción; estado pasivo en el sujeto; perturbación o afecto desordenado del ánimo; apetito o afición vehemente a algo. Esperemos que en algunos años esta definición no cambie a algo como: “Dícese de una persona bonita, gente bien, con mucho billete y bien buena… Contrario a lo jodido –económicamente hablando-…”.
En el ámbito del cine, a nivel estructural-narrativo, la pasión juega un papel cardinal en el desarrollo de la historia y por supuesto, en sus elementos conductores: los personajes. Incluso, denota las vísceras de quien la escribió, fotografió, actuó y dirigió. Pero aclaremos de una vez, esta pasión de la que hablamos desde esta butaca no necesariamente está vinculada a un estado de ánimo festivo, a ninguna de las condiciones antes referenciadas, sino a un estilo de vida, por supuesto, que va más allá del enamoramiento de una pareja que recién se ha conocido o cualquier otro cliché tipo Rambo.
A propósito de la pasión encarnada en un personaje, bien merece la pena recomendar a un carismático oso panda, de una cinta de animación, que en cada escena demuestra su pasión desmedida por el kung fu y de quien tenemos mucho que aprender sin que él pretenda enseñarnos nada. Po, es el nombre de este animal cinematográfico, protagonista de Kung Fu Panda. Vive en Valle de la Paz, es perezoso, obeso, distraído y su entusiasmo por este arte marcial no embona con su trabajo de cocinero-mesero en un restaurante familiar de tallarines. Sin embargo, y como en casi cualquier cinta animada de nuestros días, Po no sabe que tiene a su cargo una labor de héroe, es más, ni se lo imagina. Así pues, el conflicto de la historia gira entorno al escape que llevará a cabo el leopardo de las nieves Tai Lung, antiguo aprendiz del magnífico maestro Shifu, quien fue aprendido por su conducta antisocial. Según reza la leyenda de la ciudad, para detener a este villano, aparecerá un gran guerrero quien con sus aptitudes de guerrero detendrá el latente mal que atenta contra Valle de la Paz y ni los Cinco Furiosos (Tigresa, Grulla, Mantis, Víbora y Mono) –también alumnos de Shifu- podrán evitarlo.

A pesar de conocer el destino e incluso el desarrollo de Kung Fu Panda, lo que más se disfruta de esta producción es escuchar cada línea que Po emite como una sentencia de filosofía de vida, aunado por supuesto al gran talento de la animación 3D que nos regala escenarios espectaculares, con texturas exquisitas que se fusionan adecuadamente a las emotivas notas de un gran Hans Zimmer (Thelma y Louis, 2003, Hannibal, 2001, Gladiador, 2000 y un largo etcétera ) encargado de la música. Apta para todo público y sin mayor pretensión que una plena diversión, esta es una película para aprender una sencilla y simple lección sobre la pasión de la vida vista desde la comedia o a través de un oso que ama el kung fu y que entrelíneas no deja de preguntarnos por la pasión de cada uno de nosotros.

Pd. Es una lástima que en los créditos finales sólo reconozcan en México el doblaje de Omar Chaparro y Pedro Armendáriz Jr. ¿Y el resto del talento de doblaje eructó sus líneas por obra y gracia del señor dios del cine o ya se generan voces electrónicas?.

Texto publicado el domingo 6 de Junio de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Sexo en la ciudad o una aberrante oda al mercantilismo.

2008-06-17T10:32:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez.

Cuando uno va a una sala porno definitivamente encontrará eyaculaciones, mujeres voluptuosas, erecciones, cuerpos desnudos y todo el contexto que implica el género cinematográfico dedicado al sexo. Si dejamos de asistir o ver ese tipo de cine, no pasa nada y si alguien, que no se precia de ser un buen cinéfilo sexual acude por accidente a un sitio de estos (nadie cae por accidente, es casi un hecho), seguramente saldrá horrorizado. Esa sensación de terror, asco o no sé cómo describirla, fue la que su servidor tuvo permanentemente mientras el repugnante metraje de Sex and the City discurría por la luz que mis pupilas maldecían cuadro a cuadro. Trataré de explicar por qué tal molestia y por supuesto, no intentaré justificar el haber asistido a esa proyección (no fue accidente, insisto… al contrario, arrastrado por el curioso fenómeno de masas que genera).
Tras el contundente éxito de la serie de nombre homónimo con seis temporadas en su haber, traducido en México como Sexo en la ciudad, los productores decidieron hacer de su hit televisivo una cinta blockbuster para este terrible verano cinematográfico (¡y vaya que le atinaron!).
Evidentemente orientada a un mercado completamente específico, dirigido y objetivo, pero de igual manera funcional para un incauto como el que escribe, que jamás había visto un solo capítulo de este serial “femenino”. Así que, sin tener algún conocimiento previo, el craso error se hizo doblemente patente al entrar al recinto que cobija las luces y sombras con tal sólo una sinopsis-advertencia que rezaba algo como:

La exitosa autora Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), vuelve con su famoso ingenio totalmente intacto y más agudo que nunca, para narrarnos su propia historia sobre el sexo, el amor y la obsesión de las mujeres solteras de Nueva York por la moda. Sexo en Nueva York nos muestra a Carrie, a Samantha (Kim Cattrall), a Charlotte (Kristin Davis) y a Miranda (Cynthia Nixon) cuatro años después de que terminara la exitosa serie de HBO….

Explicado el contexto y la sinopsis de la cinta que no dice nada, comencemos con la crítica, probablemente muy destructiva, lo sé, pero es que resulta insoportable ver tanto halago por una producción tan nefasta. Primero. El tópico grita a los cuatro vientos que los hijos de la perra rabiosa mueren de ello y no tenemos por qué extrañarnos que 4 mujeres cuarentonas (quasi deficientes mentales) vivan para usar ropa de moda extremadamente ridícula, acudir a restaurantes famosos y ser víctimas de los inteligentísimos textos de Cosmo (o qué sé yo) especializados en las futilidades de la vida, y que en su defecto, cavilen sobre el amor a diestra y siniestra con su gran intelecto. Así que sin mayor preámbulo develemos que el argumento es muy sencillo, la protagonista, Carrie, se va a casar con el tipo con quien lleva viviendo más de 10 años en unión libre… para variar es el típico carilindo, alto, exitoso (¿podría ser de otra forma?), se llama Grande (Big) y con las reacciones más antinaturales que convencen a cualquiera de su mal histrionismo. ¡Ah!, pero nuestra protagonista está enamoradísima de él y pues evidentemente, el conflicto será la boda y su mayor ilusión aparecer en Vogue ataviada de novia. Mientras esto sucede, el desfile de marcas se hace patente en cada escena en que escogen el vestido, caminan por las avenidas de Nueva York, toman café o muestran a la cámara cualquier clase de objeto o artilugio de moda. No quiero imaginarme cuánto cobraron a dichas marcas por estar en manos de esas… actrices. Así pues, durante las primeras casi dos horas, la corriente nos arrastra por sus charlas tan llenas de “sapiencia” y sin ningún tipo de gracia (al menos ese artilugio nos hubieran regalado los guionistas o evitado la escena de mal gusto y repulsión por nuestro México tercermundista) que de verdad parece que se trata de un capítulo más de esta serie, que afortunadamente nunca vi. Segundo. Como este tema de las bodas en las pelis de niñas bien, lo hemos discutido en más de una ocasión, pasemos al análisis del personaje protagónico: Carrie. Una mujer rubia, con cuerpo agonizante o bulímico, se construye en la serie y en el relato de esta cinta como una escritora del amor, relevando sus pasiones en la vida: el chisme y la banalidad que aflora en el mundo mercantil de la moda (intenta entender la naturaleza humana, pero no creo que su IQ se lo permita). Por consecuencia, entiendo por qué algunos nos alarmamos de que este personaje se erija como una especie de gurú para nuestras adolescentes (o no tan adolescentes) y un modelo que inculque el basto valor de que sin un buen guardaropa o unas garritas de marca, no eres más que una doña nadie (atención en la escena del obsequio de una bolsa a su asistente personal) y que sus grandiosas frases repletas de lugares comunes y tanta elocuencia (por su basta preparación, ¡já!) idioticen a cualquier persona que guste de no luchar por una personalidad propia, alejada del mito de la princesa medieval, ahora neoyorkina y material. Cuatro. Darren Star (su creador) y los guionistas Candace Bushnell y Michael Patrick King (también director) deberían estar apenados del mensaje masivo tan absurdamente mercantilista de esta cinta, que no es más que un reflejo del imperialismo de un país castrante económicamente hablando, intolerante en lo social y por supuesto, empeñada en contener valores basados en dietas, mercadotecnia publicitaria y una sexualidad que no logra despertar en sus seguidores más que irrisorias reflexiones sobre la vida en rosa o el placer de la diversión acéfala. Quinto y último. Si no la ven o la ven, tampoco pasa nada, pero lo que sí no se vale es que no hagamos un alto para analizar lo que nos está “divirtiendo” como sociedad globalizada.

Texto publicado el domingo 22 de Junio de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Las reglas de la complicidad cinematográfica…

2008-06-10T11:57:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Este terrible verano cinematográfico (como ya lo he dicho en otros años) es muy probable que vaya de la mano de cualquier pretexto de maldad humana que sea vigente a nuestros días o alguna crisis paranoica con tintes intelectualoides: el calentamiento global, la reforma petrolera, los problemas políticos, sociales y económicos de China y por qué no, el presagio funesto de una 61 edición de Cannes completamente insufrible –al menos eso dice la crítica especializada o privilegiada de haber disfrutado de la costa azul gala en todo su esplendor y ánimo festivo glamuroso-…
Así que si nos ponemos más paranoicos y ridículos aún, digamos que la culpa la tiene Ironman por haberle dado la oportunidad a Robert Downey Jr de haberlo interpretado admirablemente en su cuerpo de hojalata… o Spielberg, por regalarnos un rato de alegría y nostalgia con la última entrega de, su ya mítico y senil, Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal. Fuera de esos títulos, al día de hoy no hay nada bueno que ver en las salas michoacanas y para estos dos meses que nos esperan de calor y salas atiborradas de infantes vacacionistas, la única esperanza se vierte en Hulk, con Edward Norton que encarnará su verdosa piel, y un prometedor carismático ainuropoda (nombre científico del Oso Panda) llamado Kung Fu Panda… Es más, tan mal estamos como ya es esta tradición veraniega, que casi me siento tentado a recomendar la última chickflick de Cameron Díaz y el afortunado compañero de la guapísima Demi Moore, Ashton Kutcher, en Locura de Amor en Las Vegas. Pero no, no es para tanto, aunque cumple con los requisitos de su género y arranca un par de carcajadas con forseps, no vale la pena destilar, del ya de por si roto bolsillo mexicano, un tostón por algo que en menos de un año se transmitirá en algún canal de su sistema de cable.
Propongo que en lugar de seguir reseñando la penuria de estos cálidos y acuosos días, con sus dos notables excepciones como Eastern Promises o mejor conocida como Promesas del Este, del canadiense David Cronenberg (La Mosca, 1984) o Mi Historia sin Mí (I´m not there, 2007) de Todd Haynes, con una propuesta de ensayo fílmico que raya en lo metabiográfico sobre las distintas facetas de Bob Dylan (interpretadas por gente como Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Ben Whishaw o el recién difunto Heath Ledger), charlemos mejor y brevemente entorno a lo que mencionamos en el título de esta columna y hasta ahora no hemos dicho nada: las reglas de la complicidad cinematográfica. Arranquemos entonces.

En cualquier relato donde esté presente la narración de una historia (sea oral, audiovisual, literaria o teatral) el autor de la misma desde el principio debe fijar unos límites dentro de sus parámetros de imaginación y designar un espacio-temporal donde se desarrollará el relato, esto con la finalidad de que su interlocutor sepa de qué está hablando o por dónde navegarán las aguas de su inventiva (por muy inverisímiles que estas parezcan). Pero para que exista la plena complicidad, necesita también explicar el autor –de una u otra manera- qué intenciones mueven a sus personajes a realizar las acciones que terminarán por contarnos la historia, es decir, se trata de fijar las reglas del juego ayudándose de todo lo anterior. Por consecuencia, cuando esto sucede y todo trascurre con “normalidad”, nosotros como espectadores nos entregamos de lleno a la película sin cuestionar la verdadera posibilidad de que un auto hable, vuele sin alas o que simplemente un personaje pueda ser invisible. De hecho, salimos contentos y tarareamos la rola que Williams creó para Indy (Indiana Jones, para los cuates). Pero y ¿a qué se debe esto? A que damos por sentado que esa es una realidad verosímil (posible, verdadera) desde la perspectiva del cine y que hemos establecido un pacto tácito con el guionista y director de aceptar como cierto lo que ellos nos proponen en pantalla, pero mucho ojo, sí y sólo sí respetan las reglas que ellos mismos han creado o nos han brindado para su historia. Por eso cuando vemos algo que parece increíble dentro de esa realidad cinematográfica –insisto, por muy extravagante que sea- nos sentimos defraudados y sentimos que el curso de la cinta ha perdido su cause, para desembocar en una falta de complicidad entre el que ve y el que crea… Por lo tanto, por estas “sencillas” razones, hay días que se convierten en una pesadilla cuando vemos producciones donde los personajes se quedan en lo anecdótico y no dan el paso que los pueda consagrar como seres verdaderos –cinematográficamente hablando-… muy a pesar de todas sus consecuencias. Así que ahí lo tienen, si alguna vez se sienten defraudados por una película, pregúntense si realmente hay un acatamiento por la historia que alguien creó y no fue capaz de respetar…
Paciencia para este verano y espero que nos sigamos leyendo pronto, con mejores noticias.

Texto publicado el domingo 8 de Junio de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Encerrado en la profundidad de una escafandra…

2008-05-14T09:48:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Imagine el sonido de su voz sin eco, sin resonancia, pululando entre sus músculos y cavidades laríngeas sin poder aflorar, maniatado en sus ondas sonoras, inadvertido para todos... sin oído alguno que pueda vibrar en su interior a causa de su imperceptible voz. Mudo ante el mundo. Lejano a su propio cuerpo. Imagínese también en silla de ruedas, ha tenido un paro cardio-vascular que lo ha dejado inmóvil, con un sólo párpado que su cuerpo “controla”. Respire profundo, hágalo varias veces, inhalando esas bocanadas de esperanza porque lo ha perdido todo: su radiante empleo como editor de la reconocida revista Elle, su nueva pareja, el carro convertible que había adquirido hace muy poco y lo más importante, el contacto con sus tres hijos (que viven con su ex esposa).
Su cuerpo está postrado en territorio francés, concretamente en una cama de un hospital cercano a la ciudad que cuida del Sena. Su nombre: Jean-Dominique Bauby. Edad: 43 años. Usted efectivamente existió, pero ya ha muerto, justo después de haber escrito un libro. Sonará extraño que pudiera “escribir” en esa condición, pero le sorprenderá saber que esto fue posible gracias a un programa de ayuda que el sanatorio le brindó a través de dos especialistas, una en audición y otra en lenguaje (sí, ambas mujeres, tremendamente bellas). ¿Cómo lo hizo entonces, cómo pudo plasmar sus ideas en un papel? Por medio de su único elemento corporal que funciona, su párpado izquierdo. El mecanismo fue complicado, pero rápido pudo adaptarse a él. Alguien le recitaba el alfabeto y usted elegía la letra con un parpadeo.
Si ya pudo imaginar la situación, sentirla o incluso sufrirla (emocionalmente hablando, claro está), lo que le resta es disfrutar de una obra maestra en complicidad de la luz del cinematógrafo y la oscuridad de una sala: La Mariposa y la Escafandra (Le scaphandre et le papillon, 2007) del director Julian Schnabel (Antes de que Anochezca, 2000 y Basquiat, 1996). Destacada en su fotografía y con una puesta en cámara que dibuja espacios de nostalgia y secuencias de devoción por la vida durante todo su metraje, esta cinta toma como eje fundamental narrativo la voz en off de su protagonista, increíblemente interpretado por Mathieu Amalric. Recurso que lejos de desbordar el aburrimiento del espectador o convertirse en un artificio de fácil manufactura para contar una historia, lo acurruca en sus trayectos audiovisuales y lo induce a su digestión emotiva. El guión, por su parte, en cada pensamiento del convaleciente Jean Do, acarrea nuestros sentidos a la escafandra de su propio cuerpo, que poco a poco filtra agua y lo ahoga a cuentagotas.

Con más de 35 premios internacionales, 4 nominaciones de la Academia yanqui y una agraciada reputación otorgada por la crítica, La Mariposa y la Escafandra, es una película bastante franca en su propuesta, fresca, con muy buena música, sin mayores pretensiones que lograr una empatía firme o un diálogo profundo con su interlocutor, con rasgos de buen humor a pesar del tema que aborda y mejor aún, sin colindar en lo sentimental-barato para ganar adeptos. Su mayor logro es arrastrarnos a la profundidad de un sentimiento amargo, de una metáfora acuosa y por qué no, de imaginarnos verdaderamente en esa terrible situación.
De las entrañas de esta cinta también debemos subrayar la relación que tiene el protagonista con su padre, la cual emerge como una subtrama que gracias a su montaje –bastante adecuado en ritmo y presencia- nos transporta por las oscuras tierras de la vejez y la soledad, contrapunteando muy bien con el mundo de libertad (la metáfora de la mariposa) que Jean Do genera para sí, y por supuesto, el magnífico uso de la cámara como un personaje meramente subjetivo.

Nunca mejor dicho, no se hable más y disfrute de esta excelente cinta sin parpadeo alguno, vale la pena no perderse de absolutamente nada.

Conversando con tu ex esposa y/o la traición de la memoria.

2008-04-21T22:51:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Advertencia número uno. La película que a continuación usted leerá (o si después de estas letras decide recetarse en la oscuridad de la sala) contiene escenas que pueden removerle lo más profundo del mar de recuerdos donde navegan viejos amores que por casualidad o no, se han reencontrado una vez en la vida. Dos. La pantalla está dividida en dos partes, con un mismo plano visto desde ángulos no muy distantes y desarrollados (casi) simultáneamente en tiempo real, por consecuencia, esta cualidad narrativa envuelve en el espectador en una implicación y decodificación fuera de lo habitual. Tres. Lo de la pantalla partida después de treinta minutos se olvida, la charla de estas dos personas puede tardar días o incluso semanas en pasar a un lugar inadvertido de los territorios escabrosos de la mente.
Seguramente ante tanta advertencia estará preguntándose qué situación aborda esta historia que lleva por título Conversando con otra mujer (Conversations with Other Women, 2005). Pero para su sorpresa, no se trata de nada que no sea mundano y quasi racional, ya que el argumento de este filme es muy pero muy sencillo: dos personas –ella y él- cercanos a los cuarenta años se encuentran en una boda. Él le invita un trago de champaña y ella lo acepta. Al cabo de unos minutos, se devela de una forma muy sutil que han sido pareja, ex esposos concretamente, y que ambos se encuentran comprometidos nuevamente (ella con un cardiólogo inglés, él con una bailarina neoyorkina de muy corta edad). Esta situación que se desarrolla entre flashbacks en el plano de la derecha (ellos de jóvenes) y el tiempo real en la parte izquierda, nos guía por la tentación que ambos personajes sufren de irse de a “dormir” juntos (que de hecho lo hacen… léase en todo sentido) después de charlar por horas y de recordarse juntos cada 3 minutos.

A primera vista parece que se ha contado toda la película y no hemos dejado nada a la imaginación. Pero de verdad, créamelo, no es así. En cada línea que la estupenda guionista Gabrielle Zevin ha escrito y Hans Canosa dirigido con brutalidad visual (cámara en mano un cincuenta por ciento del metraje) en este su segundo largometraje, hay un “golpe” referencial muy cruento e interesante para cualquier persona que se ha separado de alguien a quien ha amado profundamente y lo ha vuelto a reencontrar para hablar de su emotivo pasado, dejando de lado aquello que los separó y aquello que los pudiera unir intempestivamente en un rato de placer o infidelidad, si es que ambos están con alguien más... o sencillamente, un momento para re-delegar el corazón en manos de un tercero muy concreto sin llegar al sexo o un simple beso que rebase la línea corporal de la fidelidad (¿ser infiel en la mente es menos infiel que en lo físico?).
Con tres escenarios, mucha imaginación en el montaje (¡vaya trabajo para construir esa narración!) y 5 o 6 personajes entre extras y figurantes, Conversando con otra mujer se construye como una especie de cinta diván, donde sus magnánimos protagonistas, Helena Bonham Carter (Sweeney Todd, 2007) y Aaron Eckhart (La Dalia Negra, 2006) nos invitan a vivir su reencuentro con una severa dosis de intimidad y un profundo análisis de su presente, su pasado y la incertidumbre de su futuro inmediato. Una obra sin una gran manufactura técnica, ni visual –a pesar de su formato antes descrito que logra unir perfectamente el ayer con el hoy a manera de metáfora- pero con un mensaje que nos deja perplejos en su carácter asertivo-dramático de cada situación y cada diálogo por estúpido que parezca (abundan los dobles sentidos). Valor añadido a la confrontación del relato, además de la intensa tensión sexual, se integra el factor de que ella vive en Londres y tiene que volver tan pronto como amanezca (¿será la última vez que se vean?). Otro aspecto que no debe escapar por nuestros sentidos es la forma en que ambos analizan su edad desde una perspectiva de género y de crecimiento personal.
Aunque esta cinta no es nueva, hace casi 3 años de su estreno, es un hecho que este tipo de reencuentros seguirán sucediendo y Conversando con otra mujer permanecerá ahí para recordarnos esas situaciones y a los amantes que jamás olvidaremos o que alguna vez fuimos.

Texto publicado el domingo 6 de Mayo de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

A propósito de las comedias románticas y las pérdidas… Posdata: Te amo.

2008-04-01T12:07:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez

A mi abuela Isabel, por su reciente descanso eterno.

Las comedias románticas o dramáticas suelen aplicar fórmulas que –de alguna u otra manera- resultan gastadas o repetidas hasta el desaliento, pero muy entretenidas o divertidas. Quizá en este último aspecto reside precisamente su éxito como género, ya que se dirigen a un mercado que espera reír y llorar en una misma historia, que de antemano uno sabe su desenlace. En términos de estructura o más formales, los rasgos que las identifican son la o el clásico protagonista carismático, bonachón y carilindo al que siempre le suceden situaciones chuscas, que se cae constantemente o golpea contra la escenografía por lo menos cada 2 o 3 escenas y que según la línea argumental de cada producción, se encuentra también en situación de desamparo (amoroso, normalmente) o con una terrible disyuntiva que resolver. Por otro lado, el factor musical resulta imprescindible en su desarrollo, ya que a pesar de su legado de los musicales, casi por obligación vamos a encontrar canciones algo melancólicas o muy conocidas para que sean lo bastante pegajosas para mantenerse en el agrado del público (mujeres adolescentes o parejas, habitualmente) y lograr así ágiles ventas en su soundtrack. En cuanto al diseño del reparto, los papeles secundarios de los amigos del protagonista también se convierten en un eje narrativo tremendamente importante, ya que son ellos con sus personalidades divergentes quienes le orientan, animan, regañan y abofetean para que reaccione ante sus crisis. En lo que toca a la temática, vemos que las historias -por lo regular- se sitúan en alguna época del año donde aflora el sentimiento y las palpitaciones, como la navidad, o en algún evento tan extraordinario o cotidiano como las bodas, los viajes, un encuentro repentino o qué sé yo… Así pues, bajo estas características los ejemplos sobran y la cartelera se la disputan TODO EL AÑO producciones normalmente norteamericanas-hollywoodenses o del Reino Unido, con su característico humor negro… Si hacemos alusión a los actores y actrices más solicitados para este fin, nombres como Julia Roberts, Hugh Grant, Jude Law, Drew Barrymore o Adam Sandler vienen inmediatamente a nuestra mente y títulos como 4 Bodas y un Funeral, La Boda de mi mejor amigo, Loco por Mary, y un largo etcétera, se tornan en referentes casi obligatorios. Aunque debo confesar que no soy fan de este tipo de cintas, tampoco puedo negar que no he visto alguno de los títulos anteriormente mencionados, o que no se hayan postrado en mi mente –o en la de muchos- como un recuerdo de la adolescencia, de alguna ex novia o sencillamente como una filmografía conexa a las generaciones nacidas en los 70´s y para adelante. En fin…
Este fin de semana, dos días después de enterrar a mi abuela (q.e.p.d) caí a la oscuridad de la sala a ver un título de esta naturaleza por recomendación-petición de unas amigas con las que colaboro en una radio de Guadalajara, evidentemente, en un programa dirigido a mujeres. Así que Posdata: Te amo (P.S: I love you), del director neoyorkino nominado al Oscar en 1991 por The Fisher King, Richard LaGravenese, nos aguardaba a su servidor y a mi Lilita, en el peor horario para ver una película como esta (7 de la noche, nada recomendable para un domingo). El tema: la pérdida de un esposo a edad temprana. La protagonista: la camaleónica y poco gesticular Hilary Swank (Million Dollar Baby, 2004, Boys Don´t Cry, 1999), quien interpreta a la viuda de ascendencia irlandesa Holly Kennedy radicada en Nueva York, cuyo duelo se desarrolla en todo un año donde aprende que la vida sigue gracias a la ayuda de su extinto marido irlandés Gerry Kennedy (llevado a la pantalla por Gerard Butler, también histrión de cintas como 300, del año pasado y El Fantasma de la Ópera de 2004) quien le guía a través de 10 cartas y señales que él mismo le dejó preparados para superar su muerte. Una extraña mezcla de crueldad con romanticismo y comedia oscura.

Poster de la cinta Posdata: Te amo (Richard LaGravenese, 2007)

Posdata: Te amo es un filme basado en la novela homónima de Cecelia Ahern, que cuenta con una realización medianamente interesante y muy singular en la fotografía de Terry Stacey (especial atención merecen los paisajes irlandeses). Por supuesto, es una historia que tendrá a su público femenino aferrado a los pañuelos de bolsillo durante la mitad de su metraje, con llanto nada disimulado y que se propone hacernos reflexionar sobre la vida en pareja, la catarsis de cualquier pérdida de un ser querido y que por supuesto, cuenta con una escena cliché de Karaoke, otra característica que casi olvido señalar. Pues ahí la tienen, una cinta para los enamorados y para los que necesitan seguir adelante sin perder la ilusión de volverse a enamorar. Disfrútenla y lloren todo lo que quieran.

Texto publicado el domingo 6 de Abril de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

MI NOCHE DE CINE PERFECTA [Parte 3 y última]

2008-04-01T11:25:00.000-07:00

Lo dicho y prometido, arrancamos ya el pasado sábado 29 de Marzo en punto de las 10 de la noche con el programa o ciclo de proyecciones MI NOCHE DE CINE. La primera película fue EL DÍA NUNCA, POR LA TARDE (1994), del director español Julián Esteban Rivera. Ampliamente recomendable.
El presentador de MI NOCHE DE CINE es Luis Manuel Pacheco Segoviano y la realizadora Liliana Guadarrama Machorro, con el apoyo de Santiago Reynoso en la producción. Diseño y desarrollo de la imagen del programa Carlos Olvera Zarco; su servidor, asesor de producción.
Aquí el último spot con la imagen del programa (y fase final de la campaña) y recuerden MI NOCHE DE CINE, sábados 10 pm. por TELEMICHOACÁN, canal 21 de cable, 2 por antena área (en Morelia y estados circunvecinos a Michoacán. Este próximo sábado 5 de abril: LA PETITE LILI, de Claude Miller. Nomida a la Palma de Oro en 2003 en el Festival de Cannes.

Nuevamente nuestro más profundo agradecimiento a la RED (Red de Radiodifusoras y Televisoras Culturales y Educativas de México A. C.) que hizo posible este proyecto.

¿MI NOCHE DE CINE PERFECTA? [Parte 2]

2008-03-20T21:34:00.000-07:00

Gracias a quienes ya han participado con sus comentarios sobre esta pregunta. Todo transeunte de este blog debe saber que el objetivo de estos dos videos es promocionar un nuevo "programa", que en realidad no lo es como tal, ya que el verdadero objetivo es darle publicidad a las proyecciones nocturnas-sabatinas de cine por TELEMICHOACÁN. Sí, cada sábado a las 22 horas transmitiremos una película -con un solo corte comercial y temáticas más de autor o no comercial- gracias a un convenio que estableció RED (Red de Radiodifusoras y Televisoras Educativas y Culturales de México A.C.) con diferentes distribuidores del mundo. El "programa" iniciará con una breve presentación de un conductor que nos introducirá en algunos aspectos relevantes de la película para dar paso después a su "proyección".
En fin no se hable más y sigamos charlando sobre ¿CÚAL SERÍA TU NOCHE DE CINE PERFECTA?. Saludos.

Horton: un elefantito (insurrecto)

2008-03-18T19:16:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez

Las películas de dibujos animados que han salido al mercado en estos últimos tres años, o mejor dicho, a las salas de cine de la capital michoacana contienen una temática clásica donde la lucha del bien contra el mal está presente, pero donde también se deriva una lectura de imágenes (y diálogos) con cuestiones relativas a la igualdad de derechos, a la crítica de la religión, las concepciones de vida de las personas y en general sobre el funcionamiento de la sociedad. No es que hayan quedado atrás las lindas o quasi-estúpidas hadas madrinas, reinas, príncipes o las fábulas de tiernos animales con las que muchos hemos crecido y que, por supuesto, nos han brindado lecciones vitales con olor a miel, sino al contrario, gracias a estos renovados personajes los espectadores ahora encontramos puntos de análisis más serios disfrazados de inocencia y, por consecuencia, la decodificación del mensaje implica un proceso más profundo de análisis. La prueba de ello son cintas como La Brújula Dorada (2007), Las Crónicas de Narnia (2005) o algunas más “subversivas” como la aparentemente inofensiva Horton y el Mundo de los Quien (Horton Hears a Who!, 2008). A esta última producción dedicaremos algunos párrafos el día de hoy desde esta butaca.
Basada en una historia de 1954 del mítico escritor Ted Geisel, mejor conocido por su pseudónimo, Dr. Seuss (El grinch, El gato en el sombrero), la línea argumental de Horton… se revela al espectador como una cuestión sin aparente sentido. Un elefante carismático de nombre homónimo al título de la cinta, por accidente escucha un grito que sale de una partícula. Sí, de una insignificante partícula posada sobre una flor. Situación que le permite al paquidermo cuestionarse si puede haber vida ahí dentro o todo un mundo poblado por personas microscópicas. Así que Horton, ante este sonido decide indagar y descubre que efectivamente hay toda una población que habita en el país o ciudad llamada Villa-Quien. Lo mejor de esta secuencia es que nuestro protagonista entabla comunicación con ellos por medio de su alcalde y de una forma casi accidental que vale la pena mejor ver que leer. Sin embargo, para la villana de la historia y jefa de la selva, la mamá cangura, el percatarse de que Horton habla con una partícula resulta aberrante y toda una amenaza para su comunidad, pero en especial para los niños, de quien Horton –cabe resaltar- es el magnánimo profesor. Si hacemos una pequeña pausa y echamos un vistazo a estas secuencias iniciales, nos daremos cuenta que los guionistas critican muy particularmente la visión antropocentrista que tenemos como sociedad y donde los niveles de intolerancia contra quienes rompen con el status quo cotidiano resultan indignantes. Pero lo que hace esta cuestión más enriquecedora es que en el mundo Quien también se le discrimina al diminuto alcalde, el cual tiene la sospecha de que algo puede estar mal en su mundo, contrario a los intereses de su sociedad que sólo tiene el objetivo manifiesto de festejar otro Quien-aniversario (no hay peor ciego que el que no quiere ver).
Lo que hace verdaderamente interesante esta película dirigida por los estudios de animación Blue Sky (La Era del Hielo 2002, Robots, 2005), además del excelente doblaje y los gráficos tan espectaculares, es todo el motor que mueve a Horton a luchar por poner en un lugar seguro a la población de Villa-Quien, lo cual le permite luchar contra el asedio del buitre que -por encargo de la mamá canguro- hará hasta lo imposible por destruir la partícula. Aunque en este género el final es evidente, lo que no lo es tanto son las posibilidades de disertación inconciente que le legan a su gran público: los niños (y a los que no somos tan niños). A quienes afectamos sin darnos cuenta por obrar en su nombre. Nótese la actitud del bebé canguro, el hijo del alcalde estereotipado como un Emo y la combinación de gráficos tipo manga 2D con el 3D. Disfruten del inocente elefante y su lectura entrelíneas.

Texto publicado el domingo 23 de Marzo de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

¿MI NOCHE DE CINE PERFECTA? [parte 1]

2008-03-13T15:36:00.001-07:00

Cuando no hay lana para ir a la sala, o para rentar una película en un videoclub (el que sea), MI NOCHE DE CINE perfecta sería un sábado a las 10 de la noche, con unas palomitas de microondas (un par de bolsas), un buen refresco gigante de manzana y una peli de arte, de autor, documental o simplemente alternativa, como las que próximanente se emitirán en TELEMICHOACÁN (Morelia, Michoacán, México). Estén pendientes. Aquí para ustedes la primicia del primer spot preventivo pautado (Target: rural, semi-urbano, para incluir nuevos públicos).

¿Y para tí, cuál sería tu NOCHE DE CINE PERFECTA?

Comencemos el diálogo. Saludos. Betursus.

Estamos de vuelta en los martes de posteo.

2008-03-04T22:40:00.000-08:00

Por fin he podido actualizar esta guarida cinéfila. Hacía ya bastante tiempo que no me aparecía por aquí -no por falta de interés, debo aclararlo-... pero sea como sea, aquí estamos y con un inaudito martes de posteo 2x1. Leerán primero algo sobre la nueva película de Paul Thomas Anderson (There will be blood o Petróleo Sangriento) ganadora de dos Oscar (u Oscares, si se le prefiere) y después, si su paciencia se los permite claro está, encontrarán un doble homenaje a dos grandes de la historia del cine -uno vivo y otro que ha muerto pero sigue vivo entre los amantes del séptimo arte: el portugués Manoel de Oliveira y el francés Georges Méliès. Por supuesto, ambos textos publicados en la columna Butaca Sinestésica del diario Cambio de Michoacán, en el suplemento de Cultura "Letras de Cambio", que ahora ha dejado de ser semanal y se ha convertido en quincenal (sí, sólo la columna, el suplemento sigue saliendo semanalmente).

Recuerden que su servidor Betursus y Adrián González seguimos transmitiendo por la radio cada miércoles en NOCHES DE CINE a través de Radio Michoacán a las 9pm, hora del centro de México. Si está por la franja hertziana de la estación y su alcance, en las frecuencias de 106.9 Fm y 1550 Am también nos pude sintonizar en la entrañable ciudad de Morelia, Michoacán (México).

Y si este medio, tampoco empata con sus horarios, podrá escuchar en vivo a Betursus en el programa radiofónico dedicado a las hermosas mujeres tapatías y de todo el mundo "Sostenes al Aire" de Máxima FM-Guadalajara (89.1 Fm), cada martes a las 5:30 pm, hora del Centro de México. La sección en la que participa su humilde servilleta es: Pantalla Grande, porque el tamaño sí importa... Un programa de Buen Busto, ampliamente recomendado por la temática tan dinámica y la excelente conducción y humor de Tayde Farias y Mónica Orozco. De hecho, lo pueden escuchar también los jueves de 5 a 6.

En fin, como anuncio e intro ya estuvo... pero eso sí: Gracias por la paciencia de quienes se toman la molestia de visitar este espacio dedicado al arte y oficio del cine (regularmente o no, nuevos o no tan nuevos, amigos y enemigos, bienvenido todo el mundo). Gracias también a quienes han preguntado por el regreso de Betursus. Nos seguiremos leyendo y que vivan los martes de posteo.

Un chapuzón por la codicia de Petróleo Sangriento

2008-03-04T22:19:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez.

Después de un receso de casi 5 años sin filmar un largometraje, regresa el controvertido realizador californiano Paul Thomas Anderson (Studio City, 1970) con una propuesta bañada en el asqueroso olor de la crueldad, la avaricia, la manipulación de la fe y la inmundicia humana durante el pleno desarrollo de la explotación petrolera de Estados Unidos a finales del siglo XIX, concretamente en 1898. Nos referimos pues a su quinta película titulada Petróleo Sangriento (There Will Be Blood, 2007), la cual se basa en la novela Oil de Upton Sinclair y cuyo delicioso estupor en el manejo del espectador le valieron las estatuillas doradas por mejor fotografía (Robert Elswit) y mejor actor protagónico (Daniel Day Lewis) durante la 80ª edición de los Oscar (que a nuestra consideración ha sido una de las más transgresoras y alternativas en cuanto a las temáticas de los participantes e intereses de la industria concierne).

El arranque del filme es apresurado y con una espectacularidad muda de casi 10 minutos, donde las acciones de los personajes nos transportan por el hilo conductor de la historia: un tipo se dedica a perforar pozos petroleros acompañado de su hijo y un grupo de mineros. Cuando el primer yacimiento explota y sale por las características torres, comienza el diálogo y sabemos que el protagonista será un tal Daniel Plainview, que como la traducción de su apellido dice es un tipo con mucha visión y que la honra sabiendo cómo vender y explotar esos depósitos gloriosos para algunos, además de estar asombrosamente interpretado por Daniel Day Lewis. Aparentemente todo viaja con perfecta calma y el protagonista se va mostrando cada vez como un magnate de este líquido sin problema alguno -incluso su parte de tiranía está muy bien matizada y no se devela de buenas a primeras- hasta que una noche se le aproxima un joven llamado Paul Sunday, quien le vende la idea de que compre las tierras de sus padres en un poblado donde según dice “no crece nada y el petróleo escurre por la tierra”. Plainview acepta y llega a concretar una suma considerable por el tip e incluso algunas regalías para Paul, quien a su vez le advierte sobre una iglesia que ahí crece y lo relativo a lo religioso. Un par de escenas más tarde, Plainview convence a la familia Sunday de venderle sus tierras y el conflicto de la película se hace evidente. El hermano de Paul, un joven llamado Eli (un destacable y muy admirable Paul Dano en ambos papeles, sí el de Little Miss Sunshine, 2006), cree ser un profeta y ha fundado una iglesia que ha bautizado como “La Tercera Revelación” (efectivamente, un arma ideológica para manipular a su comunidad y sacar provecho de su fe, como suele suceder con algunas religiones pues…).

(Paul Dano como el pseudo profeta Eli Sunday)

El conflicto de intereses de estos dos hombres “visionarios” y ambiciosos será el motor que mueva la película hacia dimensiones muy interesantes que hacen que el espectador digiera una película de tintes épicos con subtemas que nos obligan a reflexionar necesariamente sobre el valor de la familia, la manipulación religiosa y la avaricia en todo su sentido. Especial atención merece el trastorno que sufre la vida del magnate cuando su hijo H.W se queda sordo a raíz de una explosión de un yacimiento y su relación de padre a hijo cambia rotundamente. Esta situación dotará del final de una carga emotiva muy interesante para ambos personajes.
En cuanto a su manufactura técnica, la belleza de cada fotograma en Petróleo Sangriento es notoria, destacando los contraluces como motivos recurrentes que embelecen las ambiciones del villano-protagonista, que después de todo no se convierte en un asesino serial, ni algo parecido para agraciar el título anglosajón, ni castellano. Es fuerte sí la cinta, pero no hay ríos de sangre... Lo que sí es un hecho es que se debe disponer de toda una tarde para degustar los 158 minutos que le dan vida a esta entrañable historia, que a pesar de su extenso metraje, te mantiene en suspenso permanente gracias a la música original que por demás hace un trabajo sublime.

Texto publicado el domingo 9 de Marzo de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Por los 70 de Méliès y los 100 de Oliveira, que ya vienen…

2008-03-04T21:52:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez

I. Digamos: ¡Salud!
Brindemos por el paso del tiempo y la conservación de los grandes maestros encapsulados en la magia del celuloide. Vivamos a través del recuerdo de su obra el cine, ese oficio colectivo que sintetiza a todas las artes, que les da movimiento… y vida en la oscuridad de una sala. Dediquemos estas líneas al 70 aniversario luctuoso del francés Georges Méliès, uno de los “culpables” o encargados de transformar un simple aparato “tomavistas” –sin relativo futuro, según los hermanos creadores, los Lumière- en una herramienta de expresión que dota a la sucesión de imágenes en la más pura sensación de realidad, causada por la fortuita o no persistencia retiniana.

(Retrato de Georges Méliès)

En un montaje paralelo, celebremos en vida también al cineasta portugués más grande de todos los tiempos, testigo activo de la historia de este medio de comunicación y que en 2008 cumplirá –nada más y nada menos- una centena de años dirigiendo cine y con una actividad imparable: Manoel de Oliveira (Oporto, 1908).

II. Los fx y la puesta en escena.
Al señor Georges Méliès se le conoce como el padre de la ficción y algunos historiadores también le dan el mérito de ser el progenitor de los efectos especiales. Lo primero porque fue pionero en realizar cintas (en este caso cortometrajes) que no reflejaban o documentaban la vida cotidiana como se venía haciendo desde la invención del cinematógrafo (1895), es decir, por el mero placer de narrar una historia por diversión y entretenimiento. En lo que respecta a lo segundo, se debe a su formación de mago, director de teatro e ilusionista, así como a un descubrimiento accidental: en un mismo rollo de negativo, al cortar algunos fotogramas y unirlos a otros situados mucho más adelante (sin haber movido la cámara durante su filmación, claro está), al proyectarlos de corrido se percató de que existía la sensación de que las cosas desaparecían o aparecían. A partir de este hecho, Méliès experimentó otro tipo de efectos con la unión de negativos, como la sobreexposición (proyectar dos negativos a la vez) que dio lugar a lo que hoy en día conocemos como disolvencia (cross fade) y que en lenguaje audiovisual significa que ha pasado el tiempo en la historia. Si a esto le sumamos su experiencia en el uso de maquinaria mecánica (por el negocio familiar de calzado del que era partícipe), entenderemos por qué era tan hábil para desarrollar tramoya y otros artilugios que le permitían filmar y proyectar historias apasionantes, en el que se considera el primer estudio cinematográfico, el teatro Robert Houdin (que Méliès compró y acondicionó para este fin).

(Fotograma de la inolvidable cinta de Georges Méliès: [Le Voyage dans la Lune] Viaje a la Luna de 1902)

El estilo de este gran maestro del cine silente era muy sencillo pero no menos complicado. El emplazamiento de la cámara era fijo y simulando el rol de un espectador de teatro que ve al escenario, por consecuencia, en lugar de tener ritmo en el montaje, todo lo que sucedía dentro del plano dotaba de ritmo a la historia.

III. ¿…y Oliveira?
El estilo de Méliès precisamente no ha muerto y sigue vigente en este portugués, creador de más de 40 films, entre los que destacan: el documental Já se Fabricam Automóveis em Portugal (1938), la anterior al neorrealismo italiano Aniki Bobó (1942) y la que lo identifica con el maestro silente (y radicalizara su estilo): El pintor y la ciudad de 1956. La similitud de Manoel de Oliveira se precisa en los planos largos, los diálogos densos y extensos, así como la decoración teatral de las locaciones. Una muestra del estilo de este gran maestro la tuvimos en nuestra ciudad en la pasada 49ª Muestra Internacional de Cine que organiza la Cineteca Nacional y la Universidad Michoacana, con la cinta-homenaje Bella por siempre (Belle Toujours, 2006) del aragonés Luis Buñuel.

(El mítico y gran director portugués Manoel de Oliveira)

Se trata efectivamente de un tributo o una continuación de la que fuera la gran cúspide del director español: Bella de día de 1967 y con la que recibiera el León de Oro en Venecia. La trama de Bella por siempre se refiere al encuentro accidental que tienen en un concierto de orquesta 38 años después 2 de los protagonistas de Bella de día, Séverine y el mejor amigo de su difunto esposo: Husson. Aunque ella notó su presencia en el recinto, lo evade ya que Husson (Michel Piccoli) conoce un secreto sobre todas sus perversiones sexuales de su juventud. La confrontación entonces se encarnará en la insistente búsqueda de Husson por encontrar a Séverine y pedirle que cenen juntos para aclarar ciertas cosas.
Méliès y Manoel de Oliveira las recomendaciones de hoy en esta butaca. Hasta la próxima proyección y sigamos vivando la historia del cine.

Texto publicado el domingo 17 de Febrero de 2008, en la columna antes semanal (ahora quincenal) de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Un western de postal: El asesinato…

2008-01-08T00:17:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

¿En dónde está escrito o bajo qué ley de orden cinematográfica se estipula que la celebridad de un western o una cinta épica radica en la extensión de su metraje? Sigo sin entender por qué en estos géneros (como si se tratara a ultranza o un deber ser…) el énfasis del tiempo se despliega como una tarjeta de presentación infinita en paisajes y viajes de charritos a lo largo de lugares inhóspitos, que coexisten con situaciones inexplicables o innecesarias en su narrativa y que sencillamente aparecen a cuadro como un loop insaciable de una canción electrónica que parece nunca finalizar. Esa es la pregunta que me viene a la mente después de haber presenciado 160 largos minutos de la última cinta del neocelandés Andrew Dominik, El Asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (The Assassination of Jesse James By The Coward Robert Ford, 2007). Este aspecto, aunado a un Brad Pitt que no deja de posar como si estuviera en pasarela o pretendiendo ser malo malote, llevan a la cinta a profundidades de incertidumbre donde el espectador puede caer en un tremendo aburrimiento o lamentarse de haber pagado por un boleto que contiene una historia de la cual sabe perfectamente su desenlace. Insisto, hay películas que no requieren de una lógica áspera en raciocinios o delirantes elucubraciones como para deducir de qué trata o cómo terminará. Así que sin ver alguna sinopsis, de antemano sabemos que existe un tal Jesse James que es aniquilado por un tipo llamado Robert Ford (a quien ya le llaman cobarde en el título, que por cierto, es larguísimo también). El resto de los elementos que nos faltan por conocer son: 1.Que el primer hombre fue el forajido más buscado en Estados Unidos después de concluida la Guerra de Seseción (o mejor conocida como Guerra Civil Norteamericana de 1861 a 1865) y 2. Que el tal Ford era un jovencito de 20 años (gran admirador de este ladrón de bancos, ex miliciano y convertido en leyenda por sus hazañas delictivas en la región de Missouri) y quien se tornará -evidentemente- en su ejecutor. ¡Ufff… qué complicado! Entonces lo que nos queda por descubrir es precisamente el cómo y el por qué aniquilan al héroe-vaquero, bajo escenas enmarcadas en paisajes nevados, con una música inusual pero agradable y recurrentes planos acelerados de nubes que se entretejen con el argumento central de la historia: Jesse se ha vuelto paranoico después de su último atraco a un tren y sospecha que los integrantes de su agonizante banda se disponen a matarlo para cobrar la recompensa que ofrecen por él. De tal manera que comienza a eliminarlos uno a uno, pero con una anticipada dosis de asedio psicológico. Su “ruda” personalidad se lo permite. ¿En qué momento entonces entra el joven Robert en la trama? Precisamente él es hermano de un miembro de la banda (Charley) y desea fervientemente formar parte de ella. El resto hay que descubrirlo con paciencia para disfrutar la parafernalia que desata la muerte del protagónico Jesse.

¿Está acaso modelando o actuando de vaquero machín?

De la historia en general se sabe que está basada en la novela homónima de Ron Hansen escrita en 1983, que fue adaptada por el propio Dominik y que existe una amplia filmografía que recrea la vida del mítico “malhechor” Jesse Woodson James. ¿Acaso no les suena el clásico Yo maté a Jesse James (I Shot Jesse James, 1949) del mítico Samuel Fuller? Digamos entonces que no se trata de una cinta única en su género y temática y que tampoco viene a transformar ningún esquema moderno. Como paréntesis recordemos que sin un buen bandido, no hay un buen filme del salvaje oeste y que el país vecino se ha propuesto incansablemente rendirle culto a sus más célebres malandrines (antes, ahora y quizá para siempre). Continuando con los datos duros de la película, la parte técnica resalta en la calidad de la fotografía que se esboza con soltura en cada secuencia y cuya estética se perfila ad hoc al mundo de los Marlboro (especial atención merece una escena donde Pitt, al centro de la pantalla y casi a contraluz, da la espalda a un espectacular atardecer rojizo). De un vistazo igualmente sobresale un estupendo Casey Affleck interpretando al cobarde Ford, quien dirige particularmente sus rasgos de estupidez, dotes de inteligencia e intento por lograr la grandilocuencia como un anhelo personal del personaje (quizá el mejor destello de la cinta o por el cual vale la pena la entrada). La relación con los demás protagonistas y personajes de la historia se vuelca en nosotros a cuenta gotas (desesperantes para algunos), precisamente por su extensa duración y como un ingrediente de confusión por las múltiples apariciones de extraños cuya procedencia se declara incierta. Así que, si hay estoicismo y aprecio por el género, El Asesinato de Jasse James por el cobarde Robert Ford les espera. Provecho. En lo personal la disfruté, a pesar de sus pesares.

Texto publicado el domingo 13 de Enero de 2008, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

El Amor en los Tiempos del Cólera.

2008-01-01T19:35:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Empezar el año tirando netas rudas a películas mexicanas da bastante flojera y algo de sentimiento de culpa, sobretodo porque uno sabe cuan difícil es manufacturar una película en un país como el nuestro, donde es casi imposible hacer cine por los múltiples factores que ya conocemos y desde esta butaca hemos señalado. Independientemente de esto, tampoco es excusa para ingerir todo lo que nos ponen en pantalla y mutilar la lengua con singular alegría para no erigir sagaces críticas a tan infames propuestas en cartelera. Así que en lugar de reseñar el desastre de Sultanes del Sur (2007), de Alejandro Lozano, con el acartonadísimo actor y guionista Tony Dalton, propongo inmiscuirnos y arrancar de lleno el 2008 con una producción basada en un texto que leí hace más de 15 años y resultó una adaptación medianamente soportable de la novela –por demás conocida- El Amor en los Tiempos del Cólera, del Nóbel colombiano y literato universal Gabriel García Márquez.
Comencemos por la naturaleza del texto y un escuetísimo recuento de los hechos (ojo, no del guión, ni de la película). Estamos frente a una novela que se publicó en diciembre de 1985, con más de 350 páginas de contenido envueltas en una extensa riqueza narrativa y desplegadas en un exquisito léxico que emerge de la voz de sus tres protagonistas: Fermina Daza, Florentino Ariza y el doctor Juvenal Urbino. Su ubicación espacio temporal va de finales del siglo XIX y algunas décadas del XX, en la costa caribeña de Colombia, en concreto, en Cartagena. La historia desde una perspectiva muy simple (y para efectos de este espacio) versa sobre el amor incondicional que le profesa Florentino a Fermina, sin embargo y para mala suerte del primero, no es él con quien se casa esta hermosa dama, hija de un traficante de ganado. El “ganador”, por así llamarlo, fue el doctor Urbino, quien por supuesto, se convierte en el rival por excelencia de Florentino, un telegrafista que posteriormente heredará una flotilla náutica. Sin meternos en mayores detalles del relato, sólo precisaremos que Florentino tuvo que esperar más de 50 años para declararle nuevamente su amor a Fermina. Con un poquito de lógica, deduciremos que esto fue a raíz de la muerte del galeno. De la mano de esta entrañable historia van el cólera que cobraba cientos de vidas a diario, las guerras civiles que azotan al país sudamericano, el amor y la muerte como elementos complementarios, que nos dirigen sutilmente a la conclusión de que no hay una buena muerte sin un gran amor.

El impresionante Javier Bardem en el papel de Florentino Daza

- 50 años, nueve meses y cuatro días… ¿Cuánto podrías esperar tú?
Si imaginamos todos los parajes y momentos por lo que nos lleva esta formidable novela, su proyección en pantalla implicaría una cantidad industrial de horas de rodaje para aproximarnos ligeramente a su complicada naturaleza dramática-literaria. En el trabajo realizado por el director Mike Newell, con Ronald Harwood como guionista, bastaron 138 minutos para darnos una embarradita de lo que ellos interpretaron como su Love in the Time of Cholera, título que recibe la cinta en inglés y que para sorpresa de muchos, es el idioma que los protagonistas parlan, con algunas frases aisladas en castellano (menudo defecto de la obra, independientemente de su objetivos de comercialización). En la piel de Florentino Daza nos encontramos con un Javier Bardem (Mar Adentro [2004], No Country for Old Men [2007], Los Lunes al Sol [2002]) que hace verdaderamente suyo el personaje, muy bien caracterizado en cada época del relato y que genera sentimientos encontrados sobre su situación en la historia con su magnífica interpretación (a veces más como un senil rabo verde, que como una víctima de un amor mal correspondido). Por desgracia no podemos aseverar lo mismo de Fermina Daza, interpretada por la actriz italiana Giovanna Mezzogiorno, quien nunca envejece lo suficiente en su maquillaje y se devela con gestos nada extraordinarios en su histrionismo; el Dr. Juvenal Urbino, por su parte, pasa un tanto inadvertido –gran defecto del guión- y medianamente encarnado por Benjamin Bratt (Traffic [200], Demolition Man [1993]), de quien pende también el mismo defecto de caracterización en la edad adulta. Del resto de la realización destacan la fotografía con paisajes monumentales, un montaje limpio en sus cortes y el diseño de arte, rico en contrastes, colores y ambientes prudentemente ornamentados. No obstante, de la música –salvo algunas canciones de Shakira que canta en castellano [¿quién los entiende?]- tampoco podemos aprobarle con gracia, sus acordes parecen perderse en la perspectiva de los sublimes lagos colombianos y en el sinsabor de sus compases. Veredicto final de esta butaca sinestésica: una película que evidentemente dista mucho de la obra literaria en la que se basa, pero que como obra fílmica carece muy particularmente de arrebato emocional para los espectadores (muy plana y tediosa en muchas escenas); a pesar de ello, buen inicio para acercarse a la literatura del parce* Gabo y contrarestar el efecto decembrino en cartelera.

*Palabra de uso coloquial en Colombia para nombrar a un amigo, colega, etc.

Texto publicado el domingo 6 de Enero de 2008, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Pd. para lectores de internet: El productor Scott Steindorff, durante años luchó para convencer al escritor colombiano para que le cediera los derechos de la obra. Trascendió que la película le gustó bastante al Gabo y que éste al terminar la proyección le pidió a Steindorff que lo invitara a cenar y que él pagara la cena. Muy bien todo esto, qué chidos compas son... lo único que no entiendo es como un hombre que defiende a capa y espada el castellano (y que además lo domina con soberbia maestría) permitió que su obra se "hablara" en inglés. ¿Ustedes qué opinan de esto?).

La última y nos vamos… ¿a dónde?

2007-12-26T15:04:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Mañana es el último día del 2007 y aguardaremos hasta el último segundo para despedir este año que ha albergado una gran cantidad de eventos fílmicos entrañables, decesos lamentables, películas que quedarán para la posteridad y conmemoraciones históricas que mantienen nuestro cinematógrafo neuronal vivo y trabajando.
Esta celebración es muy peculiar porque el año nuevo arroja sensaciones y temperamentos muy extraños en cada uno de nosotros, pareciera como si de un día a otro se abriera una nostálgica barrera espacio-temporal (con una típica luz incandescente que los separara), donde “todo” necesariamente tiene que cambiar o, al menos, contabilizarse o dividirse entre “lo bueno y lo malo”… De esta forma, el 31 de diciembre se convierte entonces en un punto final y el 1° de enero en la esperanza o la incertidumbre misma, como si nos enfrentáramos a un acto de magia o una situación limítrofe que colinda con el fin de la vida o el inicio de la misma… Bajo este esquema mental de autosugestión (anual) nos enfocamos en crear metas y propósitos nuevos, solicitamos mejores películas, anhelamos mejores empleos y menos impuestos que pagar. Insisto, como si todo ocurriera al azar o deviniera a causa de situaciones de naturaleza extraña. Olvidamos que se trata de un día más.
El año nuevo, por consecuencia, es una especie de parte aguas o el instante de reflexión que para en seco nuestro automatismo cotidiano. Pero más allá de esa introspección personal, es un buen pretexto para reencontrarnos con nuestra familia, para recordar a los ausentes y compartir la mesa o por qué no, ver una movie. Digamos pues que el 31 de diciembre es una forma simbólica de detener el continium de la vida...
Así el 2007 (es decir, mañana a las 11:59, como cualquier otro día) se llevará consigo el año del centenario del nacimiento de Frida Kahlo, los cincuenta años en que la tierra se tragó la voz de Pedro Infante, o el día en que Diego Rivera colgó su pincel para siempre…
Ese último segundo de este año sepultará también el 40° aniversario del condenable asesinato de Ernesto “Che” Guevara y la muerte de la sex simbol Jayne Mansfield (la que en 1963 se atrevió a desnudarse completamente en Promises! Promises! de King Donovan)… Y si seguimos contabilizando lo que este año dejará atrás, también aparecerán a cuadro los 30 años del lanzamiento en salas de Star Wars (que en su momento celebramos desde esta butaca) y la cinta ícono de la música disco, Saturday Night Fever (John Badham), que se empeñó en reflejar a la juventud neoliberal de los setentas que buscaba el fin de semana para desahogar o ahogar su hastío y frustraciones (nada distante a nuestros días). Hace 30 años igualmente la ópera perdió a su voz consentida, María Callas, y que “el rey” Elvis Presley dejó a sus súbditos. Pero lo que sin duda alguna nos atañe al presente de los amantes del séptimo arte y ya hoy es pasado, son las dos vidas de directores célebres que el 2007 nos ha arrancado definitivamente y en el mismo día: el italiano Michelangelo Antonioni (Blow Up, Desierto Rojo, Zabriskie Point) y el maestro de maestros, el sueco Igmar Bergman (Persona, La Flauta Mágica, Sonata de Otoño, Gritos y Susurros, Fanny y Alexander). Que en paz descansen.

(El gran maestro Ernst Igmar Bergman, fallecido en este 2007. QnPD, Comandante en Jefe)

El fin de año o dejar atrás 365 días representa la nostalgia por la vida misma, como en la cinta que su servidor considera la mejor de este dos mil siete, 4 meses, 3 semanas y 2 días (4 luni, 3 saptamani si 2 zile) del rumano Cristian Mungiu; o lo que hemos dejado de ser y nos hemos perdido de vivir, como le sucede a Laura (Belén Rueda) en El Orfanato, producida por Guillermo del Toro y dirigida por Juan Antonio Bayona; las canas en el pelo de un padre agobiado (Ricardo Darín) por la ambigüedad genital que sufre su hij@ Alex, en XXY de la brutal directora argentina Lucía Puenzo; la esperanza de un futuro promisorio en cartelera, comandado por Luz Silenciosa de Carlos Reygadas, seguido por No Country For Old Man de los hermanos Cohen y escoltado por Into the Wild de Sean Penn; los regresos de los grandes con Inland Empire de David Lynch y Sweeney Todd, el Barbero Demoniaco de la Calle Fleet de Tim Burton; la simpatía de una rata chef en Ratatouille de Brad Bird o el suspenso de un asesino serial como David Fincher lo rebeló en Zodiac; lo desconocido de un Julian Schnabel en La Scaphandre et le Papillon o la complicidad de la amistad en Reing Over Me, con un sorprendente Adam Sandler dirigido por Mike Binder; lo jodido del sistema de salud norteamericano documentado en Sicko por el polémico Michael Moore, contrastándolo con lo efectivo de la salud pública en un país como Cuba o sus otros vecinos, Canadá; lo que nos queda de tarea: El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford de Andrew Dominio… En fin, este 2007 fue para ustedes lo que hayan decidido para él y el 2008 será lo que se propongan, pero recuerden que nada es gratuito, ni por gracia de ningún divino. Así que, a luchar contra nuestros miedos para alcanzar nuestras metas, disfrutar de la vida y sigamos viendo mucho cinema ad finitum. Bienvenido seas 2008.

Texto publicado el domingo 30 de Diciembre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

December Boys (Maps, Sparks, Spit y Misty)

2007-12-18T20:50:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Seguramente el título de esta columna no les suene a ninguna cinta célebre decembrina en cartelera o lanzada últimamente en DVD y es que en verdad, no es para menos. Seguimos recibiendo nombres de películas según el aberrante criterio de un hombre o mujer que sienta tras una computadora, a pensar de qué manera puede partirle su madre a una oración o palabra que todo un equipo de producción, un guionista, o un director, o un productor decidió tras un vigoroso esfuerzo mental para darle el nombre más adecuado a su obra. Es cierto que sobre este tema ya hemos departido en este mismo espacio lo suficiente, y que hemos expuesto los motivos por los cuales se les cambian los títulos a las películas en cada país, de acuerdo a un orden de mercadotecnia que puede ser atractivo para un público específico, o que estos procedimientos responden a diversos criterios de contrato que firma el productor ejecutivo (titular indiscutible de los derechos de explotación económica de una obra fílmica) con cada distribuidor geográfico (1) pero sea como sea, dichos títulos no dejan de ser, en casi todas las ocasiones, ridículos y un verdadero insulto para la cinta en cuestión y por qué no, para nosotros como espectadores.
Esta vez nos referimos a la sosa y estúpidamente apodada, titulada o como quiera llamarle usted respetable lector: Un verano para toda la vida (December Boys, 2007), del director australiano Rod Hardy, a quien se le conoce más por su trabajo en series televisivas que por su paso por la pantalla grande. Simple y llanamente hay que admitir que con esta frase evidencian, develan, descubren o hasta cierto punto, demeritan, lo que será la película en sí misma. En efecto, estamos ante un relato sobre algo que les ocurre a unos púberes y que cambiará su vida para siempre. ¡Bravo! Así, ni ganas de entrar a la sala a verla y menos bajo ese póster publicitario que tiene en primer plano al feliz maguito británico (a.k.a Harry Potter o mejor conocido en vida “mundana” como Daniel Radcliffe). Afortunadamente para su servidor, la relación con esta producción fue a través del disco digital versátil (DVD) y en la completa comodidad de casa. Debo confesar que no tuve oportunidad de verla en la selección oficial del 5° Festival Internacional de Cine de Morelia, por lo cual el percibirla en un estante me atrajo sutil y ferozmente. Así que me ahorré la pena de leer el acaso no menos ridículo eslogan publicitario (tagline) de algo como: Después de ese verano, nada volvería a ser igual. Mejor aún, cuando adquirí el disco, no me percaté del protagonismo de Radcliffe (ya está muy crecidito el escuincle) sino de la sinopsis que pintaba para una película más o menos decente, basada en la novela del escritor neocelandés Michael Noonan, bajo la adaptación de Marc Rosenberg: Cuatro huérfanos australianos salen del orfanato católico donde viven para pasar unas vacaciones de verano en una aldea cercana al mar, junto a una pareja de ancianos que han decido recibirlos durante un tiempo. Ese viaje ha sido su regalo de cumpleaños por haber nacido en diciembre(2), motivo por el cual les apodan los “December Boys” (aquí la clave del título) y nos da cuenta que entre estos figura algo más que una amistad que aquí se pondrá a prueba cuando Misty (el más pequeño y de gafas), descubre por accidente que una joven pareja de vecinos está dispuesta a adoptar a uno de ellos. Esta situación será entonces el motivo que confronte a los chicos, ya que cada uno lucha por ser adoptado y la envidiable oportunidad de tener una familia. A la par de esta disputa, se mezcla una historia de amor adolescente entre el más grande de los protagonistas, Maps (Radcliffe) y Lucy (Teresa Palmer), otra adolescente que aparece por ahí como huésped temporal de la aldea.

De esto básicamente trata December Boys, película ubicada temporalmente en los sesentas, con una maravillosa fotografía de paisaje, cuyo guión recurre al esquema narrativo propio de temáticas dramático-romanticoides, donde uno de los protagonistas narra en primera persona la historia como una anécdota de su vida y que en algún momento (normalmente al final) aparecerá a cuadro. Aquí será el propio Misty (Lee Cormie) quien tenga esta función y lo haga a una edad avanzada.
Muy a pesar de la evidente linealidad del argumento, en este filme también resalta el desenlace final en calidad de grata y moderada sorpresa, como también las actuaciones agraciadas de los protagonistas y la astucia del guionista que nos obsequia un texto decidido en comedia, nostalgia y una historia nada desdeñable. Para nuestra mala fortuna, además del título traducido, December Boys sólo estuvo en cartelera una o dos semanas debido al poco apoyo que recibió por parte de su estudio (Warner Bros) y la clasificación PG-13 que le asignaron. Por ello, qué mejor que borrarla rápido del alcance de la masa, para no contrarrestar el éxito y la imagen del adolescente titular de la saga de Jk Rowling (que aunque en ambos papeles es huérfano, vende más como mago, que como adolescente calenturiento).

NOTAS:
(1) Una película puede tener varios distribuidores en el mundo, con condiciones muy distintas de contrato para cada uno.
(2)El verano en Australia va de diciembre a febrero.

Web oficial de la cinta: http://wip.warnerbros.com/decemberboys/newsite/main.html

Texto publicado el domingo 23 de Diciembre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Un viaje a través del Universo de Vietnam y The Beatles

2007-12-11T21:55:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

El cine como disciplina artística o acto de comunicación pretende arrancar sentimientos a partir de su lectura en una sala. De eso no hay duda. Sigo creyendo que quien hace una película parte de un universo que desea compartir con el espectador, adentrándolo en él, haciéndolo verosímil, empatándolo con sus personajes y situaciones, o en todo caso, convirtiéndolo en cómplice de su ficción (como diría el propio director mexicano Arturo Ripstein, hasta él hace cintas para que sean disfrutadas). Por tanto, la comprensión de las imágenes y la emoción que provocan van en función de un profundo análisis de aspectos tan divergentes y opuestos como el lenguaje (sea cual sea), la interpretación de los actores, el humor del espectador de ese día, la fotografía, las condiciones de acústica y de exhibición en el recinto, el montaje, la música y demás elementos que conforman una percepción audiovisual que se reduce o decodifica al “simple” acto de sentir o como comúnmente lo denominamos: ver. Aunado a estas variables, el factor edad representa otro componente definitorio que en algunos casos está a favor o en contra de una cinta. Aterrizando en esto último, este es el caso de la reciente producción de la directora Julie Taymor, A través del Universo (Across the Universe, 2007), que según como se mire puede resultar prodigiosa y una verdadera obra cleptómana de sensaciones o meramente un filme que se remonta a los sesentas con música de Los Beatles, metidos con calzador en un guión, para narrar una historia de amor juvenil con la guerra de Vietnam como fondo dramático. De esas conclusiones, tampoco hay duda.
La proyección comienza con Jude (Jim Sturgess), un joven obrero británico que sentado en la playa al atardecer, nos sentencia sobre la posibilidad de volver a ver, o no, a Lucy (Evan Rachel Wood); una jovencita provinciana espectacular, pudiente y de quien resulta difícil no enamorarse, según sus propias palabras. La escena siguiente nos muestra un montaje paralelo entre el tópico sesentero de los bailes universitarios gringos (que hemos visto hasta el aburrimiento) y un antro underground británico para chicos “rockeros”, que con una combinación de planos entre un sitio y otro, los asistentes nos entonan la primera canción de 34 tracks míticos del cuarteto de Liverpool que más tarde escucharemos en sus más variados estilos e interpretaciones. No recuerdo el título de ese corte musical pero el advenimiento de este género en la cinta resulta inevitable. Al finalizar las respectivas fiestas trasatlánticas, nos encontramos ante dos parejas que se despiden y que encausan la acción a lo que será su directriz narrativa: Jude sale de Liverpool para buscar en Nueva York a su padre, a quien por supuesto jamás ha conocido y Lucy comienza a vivir la nostalgia de perder a su novio a causa de la guerra en Vietnam (que lógicamente morirá y que más tarde le conmoverá para convertirse en una militante de movimientos antibelicistas). Nada extraordinario hasta ahora. Por azares del destino imaginario de los guionistas (Ian La Frenais y Dick Clement) estos dos personajes se conocerán a través de Max Carrigan, el hermano mayor de Lucy, quien estudia en la universidad de Columbia, donde trabaja el papá de Jude; con estos tres ingredientes, la película aparentemente detonará en una historia de amor juvenil neoyorkina sin mayores atavíos que la excelente voz de los personajes; pero atención, quizá ya deban suponer a estas alturas que en algún momento Jude y Lucy se separan, que Max va a la guerra y el resto de la confrontación-resolución, mmm… lo puedan adivinar… y que como dijo John Lenon y se usa como eslogan publicitario: All you need is love.

(Fotograma de la Cinta Across the Universe, de Julie Taymor)

De A través del Universo se desprenden la denuncia sobre la guerra de Vietnam (trivial de alguna forma) y sutilmente la de Irak, el mensaje de paz y amor enmarcado en el universo beatle y el esfuerzo por “regalarnos” una historia reconfortante que rescata de la memoria (como si no lo hubieran hecho ya los gringos en los últimos 20 años) los movimientos juveniles antibélicos, los contraculturales y obvio, los musicales. Recordemos que no sólo el de los británicos está presente, sino otros propios como el de Jimmy Hendrix y Janis Joplin, que también tendrán su referente en dos personajes claves de la cinta: Jojo y Sadie, respectivamente. Para ahondar en estas “virtudes” (con comillas o sin ellas, ustedes decidirán), la directora de cintas como Frida (2002) o Titus (1999), echa mano de una puesta en escena coreográfica permanente, plagada de influencias plásticas que recurren a principios del surrealismo o impresionismo, y por supuesto, de otras obras fílmicas, que se delinean en las secuencias psicodélicas donde hacen su aparición especial Bono o Salma Hayek y que nos recuerdan necesariamente a una Pink Floyd The Wall (1982) de Alan Parker. Sí, Forrest Gump (Robert Zemeckis, 1994) también está presente, pero no es un musical. Veredicto final: que la vean quienes nacieron en los 60´s o disfrutan recordando de las canciones de Los Beatles porque la historia por sí misma, no es un viaje sorprendente (salvo algunas escenas muy específicas)...

Post data para este post (ventaja de leer on line y no en papel):
1. La directora defendió su corte final ante los ejecutivos de Estudios Revolution, quienes aseguraban que la película estaría destinada a la quiebra total y sería una especie de vergüenza para el estudio. Respuesta: Según el periódico Los Angeles Times el musical ha tenido un éxito rotundo en las nuevas generaciones, que al menos en California registran datos increíbles en su taquilla.
2. Dato preciso: El estudio tan sólo por las 34 canciones pagó 10 millones de dólares en derechos.
3. Julie Taymor también ha afirmado en varias entrevistas que estuvo tentada a ponerle como título "All you need is love", ya que ha estado en contacto con lo más profundo de su ser y esa frase es la conclusión a la que ha llegado, pero correría el riesgo de trivializarse. ¿Ustedes qué creen?
4. Por la cultura de drogas que presenta la cinta la catalogaron como PG-13 y su estreno oficial fue en Septiembre de esta año.
5. Sitio oficial: http://www.acrosstheuniverse.com/

Texto publicado el domingo 16 de Diciembre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Malos hábitos (escondidos en el fashion way of life y la fe religiosa)

2007-12-04T13:42:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

I. A los gordos nos los quiere nadie…lo hago por tu bien.
La industria de la moda y la publicidad ha convertido la bulimia y la anorexia en un terrible mal de nuestros días, o propio de los estereotipos que promueven en sus diversos productos. Es deprimente leer en los diarios –con mayor frecuencia- que un alto porcentaje de modelos y jovencitas menores de 18 años son víctimas de estas enfermedades que crecen diariamente entre la población mundial femenina. Y es que no es para menos. El “ideal” de mujer atractiva o de moda, ha luchado por escatimar su peso o parecerse menos que un cadáver; el antiguo 90-60-90 se ha acotado o propuesto pesar menos de 40 kilos y mostrar los huesos cubiertos por una finísima capa de pellejo. Preocupado y vinculado de alguna forma con esta problemática actual, el cineasta, publicista y productor Simón Bross (Distrito Federal, 1960) decidió realizar una cinta que tuviera como centro argumental estos desórdenes alimenticios que cada día cobran más adeptos: Malos Hábitos (2007). Tres historias de tres mujeres que se hilvanan bajo un suculento diseño de arte y una fotografía exquisita, donde las protagonistas Elena, su hija Linda, y la tía de esta última, la monja Matilde, viven obstinadas con dejar de comer, claro, por diferentes razones. De esta trama, subyacen otras dos. Por una parte, la del esposo de Elena, Gustavo, un arquitecto y profesor universitario que precisamente vive un romance con una alumna suya peruana, definitivamente más carnosa (gordibuena) que su cónyuge y por otro, la de otra monja cómplice de Matilde, pero con el mal contrario al de ella: la gula.

(Poster de la Película Malos Hábitos de Simón Bross, 2007)

II. Uno deja de comer porque está muy lleno o muy vacío…
Simón Bross realizó esta ópera prima precisamente después de librar una batalla personal contra el cáncer y bajo una propuesta muy neta, de la cual logró configurar un portentoso guión (junto a Ernesto Anaya) que cuenta con un diseño de escenas singular en su estructura. Cada detalle está al servicio de la narración y la dirección de actores dota al texto de una naturalidad envidiable en su interpretación. Así, en esta cinta –representante de México en el 60 aniversario de Cannes, ganadora en Guadalajara como mejor película y laureada en otros festivales- descubrimos que Elena, una entrañable villana representada por Elena de Haro, es una mujer obstinada con su peso y para su mala fortuna parió a una niña obesa en quien deposita sus frustraciones y desvaríos. Es tanta su patología por el peso y la apariencia física, que ha decidido someter a Linda a distintas dietas ridículas y tratamientos médicos, sin importarle lo que deba hacer (como recortarle un intestino). Por su parte, Matilde (Ximena Ayala, quien fuera protagonista de Perfume de Violetas de 2002) después de terminar su carrera de médico, decide tomar los hábitos y convertirse en monja, a pesar de la reticencia de su familia entera. Su relación con la anorexia se da por un acto de fe, ya que según ella, ayunando puede ayudar a curar personas o permitir que efectos meteorólogos adversos como la lluvia (que está presente en el 98% del metraje) cese y damnifique a menos personas.
Sin sobresaltos en pantalla, pero sin una historia lineal, el argumento de Malos Hábitos se urde como un delicado platillo fino, que escapa del cliché y se sirve como un delicioso digestivo que jamás dialoga directamente con el tema de la anorexia como tal, es más, su presencia es permanente pero sin nombre y apellido: es exquisitamente situacional. No hubo necesidad de mencionarla, sino vivirla en la historia de cada personaje. Quizá su mayor acierto. Conclusión: Malos Hábitos es una magnífica producción que vomita contra la anorexia y los estereotipos físicos, que tiene un par de escenas de la monja que pudieron eliminarse, pero que también descubre que los jugos gástricos en los baños femeninos destruyen los drenajes… Por lo tanto, corra a verla, recomiéndela o lleve a alguien que pudiera ayudarle.

III. El buen hábito por el cine mexicano.
Simón Bross es un cineasta maduro y se nota en la manufactura de su película. Como productor y amigo ha apoyado a directores en sus inicios, como los emblemáticos tres amigos (Cuarón, Iñárritu o Del Toro), Carlos Marcovich y algunos otros que intentan desempeñarse en este arte. Por tal motivo, el Festival Internacional de Cine de Morelia lo homenajeó en su última edición por su trayectoria profesional y solidaria.

Más sobre el director: http://www.imdb.com/name/nm0112506/
Texto publicado el domingo 9 de Diciembre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

El Fraude ¿censurado?

2007-12-04T13:20:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

El escándalo mediático que rodea la última producción documental de Luis Mandoki (Distrito Federal, 1954), Fraude México 2006, le ha permitido rebasar las limitantes comerciales propias del género. Su permanencia en salas comerciales por más de dos semanas ha dado muestra de la proximidad que transmite su narración (muy visceral, por cierto) y el interés de un público poco habituado a cintas que lo confronten con su realidad inmediata (las elecciones presidenciales del año pasado en nuestro país). Sin embargo, la temática no ha sido el único motor que ha permitido que la gente acuda al llamado del realizador de cintas como Gaby, una historia verdadera (1987), Voces Inocentes (2004) y Cuando un hombre ama a una mujer (1994), quien dice que esta producción no es únicamente de su manufactura, sino de una gran cantidad (millones) de mexicanos que con sus cámaras de video y fotográficas, teléfonos celulares y otros artilugios tecnológicos se encargaron de nutrir o documentar el metraje de 110 minutos de duración. De hecho su aportación fue a más, ya que la colaboración no sólo se limitó en este sentido sino en términos económicos, que a través de donativos permitieron que Fraude México 2006 se pudiera terminar en su fase de postproducción y saliera con más de 200 copias para exhibición. Otro hecho inaudito en el país para un documental mexicano.
Pero todo esto no debe sorprendernos tampoco del todo, ya que la resonancia o el eco del documental viene a raíz de la supuesta campaña de censura que, meses antes, orquestaron en su contra –según el propio Mandoki y su productor Federico Arreola- empresas como Warner o Televisa (a través de su distribuidora de video casero) quienes se negaron a distribuirla. Esto un tanto lógico si analizamos el target al cual se dirigen estos entes cinematográficos. A este supuesto “complot” también se unieron algunas radiodifusoras de algunos estados del país (sí, hubo unas michoacanas), quienes a unas semanas de su exhibición (16 de noviembre), bajo un contrato comercial firmado no transmitieron los spots pactados para su promoción o difusión. Otros incidentes en las cadenas de exhibición (funciones canceladas, trailers sin proyección en salas, falta de posters en las marquesinas, maltrato del personal del cine a los asistentes, etcétera) han sumado la larga lista de obstáculos que Contraviento Films ha tenido que desdeñar para su proyección.

(Poster de la Cinta Fraude México 2006, de Luis Mandoki 2006)

En lo referente a lo estructural y lo dramático-narrativo, y en honor al rigor y análisis cinematográfico, Fraude México 2006 cojea en gran medida al centrar su línea argumental sobre una enorme entrevista al entonces candidato a la presidencia, Andrés Manuel López Obrador, quien a manera de cronista, da un recuento de toda la faena que se originó en su contra desde que era jefe del gobierno del Distrito Federal hasta llegar a la candidatura, pasando también por algunos datos históricos que van desde la independencia hasta el otro fraude, el del 88. Esta cuestión pone de relieve un contrapeso nulo en la historia y un excesivo protagonismo del actor político, demeritando así el resto de la investigación o relegándolo a un subplot (subtema) un tanto secundario. Por eso, no resultan extrañas las críticas que se han empeñado en adjetivar algunos acérrimos fustigadores, que la establecen como una especie de narración apologética en favor a este candidato (recordemos que previo a los comicios, Mandoki realizó el documental titulado ¿Quién es el señor López?). En otro frente, se echa de menos la opinión de la contraparte que lógicamente jamás aparecería en escena, como los expresidentes Salinas de Gortari y Fox Quesada, el secretario general del IFE, Luis Carlos Ugalde o el actual mandatario, Felipe Calderón, cuyas apariciones se limitan al favor de la Crestomatía. No obstante su ausencia, el documental cuenta con un par de piezas importantes (quizá medulares y las más loables) que lo dotan de naturalidad y fuerza fílmica: por un lado la participación de la gente con sus ojos videográficos y por otro, el proponer una visión global de un hecho que jamás nos han presentado, ni presentarán, las cadenas televisivas en señal abierta.
Aunque lo fidedigno de los datos se limite en ocasiones al testimonio del protagonista o algunos documentos o que el autor presenta dos bandos para empatar, Fraude México 2006, tiene como virtud algo que hacía mucho tiempo no apreciaba en la oscuridad de una placentera sala de cine y me refiero al hecho de la interacción “en vivo” de los asistentes con la pantalla (como cuando los hermanos Lumière presentaron el cinematógrafo). Hubo quienes aplaudían, lloraban o quienes le gritaban “mentiroso” a Fox cuando aparecía a cuadro, es decir, sentir la proyección como una realidad tangible. Sea como sea, esta cinta hay que verla independientemente de nuestras convicciones políticas y como un mero ejercicio informativo alternativo. Total, para opinar hay que conocer las dos caras de la moneda.

Texto publicado el domingo 2 de Diciembre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Página web de la película: http://www.contraelvientofilms.com/

Más datos sobre el director: http://www.imdb.com/name/nm0001502/

Leones por Corderos, corazones destrozados y el periodismo ante el terrorismo

2007-11-13T11:07:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

La primera “guerra” que me tocó presenciar desde la trinchera mediática fue cuando Estados Unidos invadió Irak y todo el mundo (con caja estúpida en casa) pudimos ser testigos oculares de esa desdicha. Las imágenes que se transmitían en tiempo real resultaban confusas o con una tilde deseada de irrealidad: ¡Era casi imposible que esas escenas fueran innegables, que no formaran parte de una película o que tales bombardeos estuvieran sucediendo frente a ti!
Desde entonces la presencia del periodismo de guerra (yankee, hay que aclararlo) se ha convertido en una función espectacular sin precedentes, como una especie de reality show permanente. En especial el que patrocina CNN o cadenas de ese tipo, que ultrajan al espectador haciéndole creer que todo marcha sin problemas para el país agresor y que los marines cumplen con su cometido de exterminar del mundo el terrorismo (so pretexto para justificar su ambición petrolera, como en la primera invasión al país árabe). Sobre este tema en particular, pero con una efusiva crítica hacia la invasión de Afganistán, la última cinta de Robert Redford, Leones por Corderos (Lions for Lambs, 2007), nos invita a recapacitar sobre una serie de tópicos que requieren justificación únicamente para los gringos, ya que al resto del globo terráqueo le queda claro que sus guerras no son más que un pretexto para reactivar su economía que pierde terreno frente a países asiáticos o una Unión Europea que cada día blinda su moneda y potencial financiero. Protagonizada por Meryl Streep, el propio director, Redford, y un inverosímil e insustancial Tom Cruise, en el metraje de esta producción encontramos diálogos que se refrendan como en una especie de transmisión oral o legado de producciones como Nacido el 4 de Julio (Born on the Fourth of July, 1989) del polémico Oliver Stone, donde el turno para la crítica lo ocupaba en aquel entonces Vietman.
Leones por Corderos evidencia el descaro mediático con el que Estados Unidos justifica ante el mundo la violencia que ha ejercido contra países árabes después de los atentados del 11 de septiembre de 2001 (otro hecho también lamentable). Por supuesto, con su papel de superhéroes imbatibles.

(Fotograma de la cinta Leones por Corderos, de Roberto Redford)

Con un guión inteligente a cargo de Matthew Michael Carnahan y unas imágenes admirablemente certificadas por el ojo de Philippe Rousselot, en esta producción viajamos por un triángulo situacional que nos vincula con un par de jóvenes estudiantes que decidieron reclutarse en la guerra contra el terrorismo y cuyas vidas penden de un hilo en las montañas de Afganistán, un profesor universitario idealista (Redford) que intenta cambiar la forma de pensar de sus alumnos más sobresalientes (¿acaso no es otro tópico del cine gabacho?) y un senador (Cruise) que debate con una periodista (Streep) el papel de su gobierno ante la guerra y la función de los medios de comunicación para legitimarla, en especial, en el cual ella ejerce: la televisión.
Con una cinta como esta, no descubrimos nada nuevo y por el contrario, ratificamos lo que ya sabemos: la falta de compromiso por la verdad periodística de cadenas televisivas norteamericanas, que se presumen objetivas y comprometidas con la verdad, como reza el lugar común desgastado y nefasto. Medianamente recomendable la conclusión.
Por otro lado, si queremos imbuirnos en una cinta pasmosa, que aborda también las consecuencias de la invasión de Estados Unidos a Afganistán, en tema de periodismo de guerra, dejemos trabajar nuestra persistencia retiniana en las imágenes que propone Michael Winterbottom en su más reciente docuficción (género que mezcla el documental con la ficción) basado en la trágica historia real de la periodista francesa Mariane Pearl, cuyo esposo, el también periodista norteamericano, Daniel Pearl del Wall Street Journal, fuera asesinado por radicales islamistas en enero de 2002 en Pakistán.
Con una cámara que se hace presente todo el tiempo como un personaje más y en la lejanía, Todo Corazón (A Mighty Heart, 2007) nos conduce por los angustiosos días que sufrió esta mujer, (formidable e inesperadamente interpretada por Angelina Jolie), quien para su mala fortuna en ese momento, claro está, esperaba en su vientre un bebé.
Aunque se trata de una producción cuyo desenlace conocemos desde el primer fotograma y nos enfrentamos a un evento trágico muy difundido por la prensa de todo el mundo, no deja de afectar y perturbar la simple idea de que este asesinato haya sido grabado en video e inmediatamente puesto on-line, es decir, propagado por la internet. Sorprende gratamente pues, que el punto de resolución de la historia no se base en este elemento y recaiga en una estrategia amarillista o morbosa para denostar una virtud del relato. Por fortuna el guionista, John Orloff, enfundó sus esfuerzos en escenas que demuestran la sensación de estar en los zapatos de Pearl y la manera tan sensata de enfrentar este problema a pesar de su gravedad, acentuándolo con el recurso del flashback.
Todo Corazón es una película muy fuerte, que deja impune el recuerdo de escenas específicas que pudieran papalotear por el cerebro, pero que sí se incrusta en el supuesto que implica la gravedad y el riesgo que representa el desempeñarse como un periodista de guerra (tal cual lo hiciera ya el propio director diez años antes, en otro de sus filmes emblemáticos Bienvenido a Sarajevo de 1997). Quizá esas dosis de realidad y mensaje son las principales características de la película y de algún perfil del autor británico, quien se nota profundamente conmocionado por sucesos de esta naturaleza bélica y los derivados del 11-S. No vayamos tan lejos, el año anterior precisamente, con Camino a Guantánamo (The Road to Guantánamo, 2006) Winterbottom narra la odisea terrible que vivieron 3 británicos de origen árabe, quienes después de asistir a una boda fueron capturados por las fuerzas aliadas para derrocar al régimen talibán y sometidos a tres años de cárcel en la base norteamericana de Guantánamo, para después liberarlos sin cargo alguno.
Por otro lado, también es necesario urdir que en Todo Corazón caben múltiples lecturas sobre el uso audiovisual del director, que raramente hace primeros planos de los actores, pero que sin miramiento alguno utiliza una maquinaria eficaz para denunciar sutilmente las caras del terrorismo: por una parte, la de los extremistas islámicos y por otra, la de quienes se dicen libertadores del mundo. No hace falta que se decante por alguna de ellas o las critique con absurda rigidez (otra virtud de la cinta) como esperan algunos puristas.
La modesta fotografía que apoya al guión y no hace gala excesiva de su presencia basta también para invitarnos a sentir con profundidad este drama apoyado en hechos reales, y a convivir con una portentosa experiencia que nos aproxima en nuestros días -de una u otra forma, ni mejor, ni peor- con el cinema verité o free cinema de las décadas de los 50´s y 60´s.

(Poster de la cinta Todo Corazón de Michael Winterbottom)

Como última consideración, precisemos que aunque el director es bastante irregular en sus producciones que nada tienen que ver una con otra (como Wonderland de 1999 o 9 Orgasmos del 2004), o se haya inclinado últimamente por cintas de esta naturaleza (docudramas o docuficciones, como se le prefiera), resulta curioso saber que fue él el elegido para dirigirla y no fue Winterbottom quien eligió la historia, ya que Brad Pitt con su productora Plan B fue quien lo contrató, obviamente, con la obligada participación de su mujer en el protagónico. Pero eso es lo de menos, porque vale la pena atestiguar el énfasis de la interpretación de Jolie cuando recibe la desgarradora noticia que le arranca un grito semejante y quizá único en su carrera.

Texto publicado en dos entregas los domingo 17 y 24 de Noviembre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Un paradójico libro de guión (para guionistas de verdad)

2007-11-06T12:13:00.000-08:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Por lo regular cuando uno busca libros sobre guión cinematográfico, se encuentra con volúmenes que proponen fórmulas establecidas o incansablemente vistas en pantalla, como si escribir una película se tratara precisamente de una justa culinaria o peor aún, de una serie de pasos para redactar una historia “sin complicaciones”. Algunos más aberrantes te ofrecen, retan o invitan a ser un guionista profesional en X cantidad de meses o semanas. Lo que nos queda claro es que, hasta cierto punto, estos textos lo que proponen es involucrarnos en el proceso creativo que incluye el listado de los cuatro elementos básicos de cualquier estructura narrativa o dramática: personajes y sus acciones que ocurren en espacio y tiempo determinados. No obstante, estas guías (porque gran parte se constituye como tal) rayan en la vehemente necesidad de citar ejemplos que coartan la creatividad y enmarcan los proyectos cinematográficos a meras imitaciones malogradas.
El problema de estos libros, tipo manual de instrucciones, no recae necesariamente en que objetiven sus esfuerzos en enseñarte a ser guionista fast-track o proporcionarte trucos y tips que le han funcionado a innumerables cintas o guionistas, sino en adentrar insuficientemente en la naturaleza del relato y sus personajes, o peor aún, sin proporcionar las tablas indispensables para comprender la naturaleza del medio cinematográfico y la vinculación estrecha entre una historia que pueda ser atractiva y libre de procedimientos gastados. Está claro que no hay nada nuevo bajo el sol y que no existe ningún libro que suministre al lector o guionista, técnicas innovadoras o fórmulas secretas que garanticen el éxito de un buen relato cinematográfico (como hacen algunos best-sellers de superación personal en otro ámbito), sin embargo, lo que sí es notorio es que los problemas que se derivan del quehacer de quienes escriben historias son muy poco abordados con seriedad o puestos en una mesa de reflexión. Esto último es el objetivo que Daniel Tubau se ha propuesto dilucidar en Las Paradojas del Guionista -Reglas y Excepciones en la Práctica del Guión- (Alba Editorial, Barcelona 2006, 390 pp), que sin intenciones dogmáticas instruye sí sobre la importancia de las técnicas y el conocimiento de corrientes teóricas pero focaliza su atención sobre la importancia de la práctica y los retos que esta implica al sentarse una persona frente a su narración.
Acercarse al libro de Tubau es un verdadero placer que nos invita a descubrir que la responsabilidad de la escritura de guiones depende del rigor con el cual trabajemos día con día para ella, librando infinidad de obstáculos y sin dar concesiones o recurrir a referentes exitosos que limiten su impacto. Desde el primer apartado, El medio audiovisual, esta obra se aleja del dogmatismo que encierra este oficio y con ejemplos curiosos y muy divertidos, reflexionamos sobre las artes audiovisuales y su hábitat natural en lo referente a la ciencia del guión. En la siguiente parte, La estructura del guión, el autor cita a teóricos relevantes que cualquier guionista o aspirante a él debe conocer (Syd Field, Linda Seger, Elliot Crove, Irvin Blaker o Robert McKee) pero enfatizando que su obra busca alejarse de esas teorías magistrales y prefiere ahondar en la excepción de las normas. En el tercer apartado, como todo buen relato de tres tiempos (inicio, desarrollo y fin) Las Paradojas del Guionista profundiza en la práctica del guión y sus tropiezos habituales, como el cómo empezar a escribir, bloqueos y métodos de trabajo, la corrección del guión y una curiosa sección donde, con agudeza e inteligencia, explica el por qué el guionista es su propio enemigo. Para cerrar con broche de oro, el autor incluye un epílogo paradójico que explica la naturaleza del título y sin menoscabar su postura antidogmática, propone una serie de 38 consejos que se sirven como plato fuerte para probar la exquisita labor de escribir para cine y televisión. Devoren pues este vademécum que dicta que Decir que no se deben seguir normas es dar una y que en el cine hay que prometer pero no cumplir.

(El autor del libro Daniel Tubau)

Texto publicado el domingo 11 de Noviembre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

El Clavel Negro: Un héroe anónimo en el golpe de estado chileno.

2007-10-30T01:31:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez. / betursus@yahoo.com.mx

Ahora que estamos en el mes de revivir lo mortuorio y los recuerdos de quienes se nos han adelantado, hablemos de una obra cinematográfica destacable y que está viva en cartelera: El Clavel Negro (The Black Pimpernel, 2006). Producida por Suecia, México y Dinamarca, esta pieza nos conduce por el terrible golpe de estado que sufrió Chile en 1973, desde la óptica del embajador sueco, Harald Edelstam, fastuosamente interpretado por el versátil actor sueco Michael Nyqvist, quien cuenta con más de 50 títulos en su trayectoria profesional.
Basados en hechos reales, la pareja de directores Ulf Hultberg y Åsa Faringer logran que el espectador peregrine por estados emocionales desesperantes, fatídicos y detestables, derivado de las acciones que la milicia chilena propagó a su población y a hermanos latinoamericanos de latitudes como Uruguay, El Ecuador y Brasil, quienes tuvieron el infortunio de estar en ese país durante esa época desagradable.

(Fotograma de la cinta El Clavel Negro)

El hilo conductor de la historia teje las acciones que el embajador Edelstam emprendió para salvarle la vida a miles de chilenos y uruguayos, y la relación amorosa que lo vincula con una líder revolucionaria, Consuelo Fuentes (encarnada medianamente por una acartonada Kate del Castillo), paradójicamente hija de un importante militar que cobra notoriedad en la piel del excelente Daniel Jiménez Cacho. Aunque confesemos que este último podría ser el esposo de ella y no su padre, sin embargo, la interpretación lo salva sin duda alguna de haber sido suplido por otro intérprete de mayor edad.
En lo que refiere a la manufactura técnica, destaca en gran parte del metraje un tono rojizo de la fotografía, con planos muy cuidados en composición y acordes a las cruentas secuencias que evidencian el asesinato de miles de personas en locaciones como el estadio Nacional y la sede actual de la presidencia chilena, El Palacio de la Moneda. Ambos escenarios con un delicado diseño de arte que se mantiene bastante ad hoc al tiempo en que transcurre la película. La dirección de la cámara, por su parte, mantiene un ritmo alegórico y contrastante en cada secuencia, con algunos movimientos de grúa bellísimos y elementos recurrentes notorios (como el largo traveling que recorre las luces del estadio desde un ángulo contrapicado y casi a ras de suelo) que dotan a El Clavel Negro de una calidad irrefutable. Sin embargo, en términos estructurales de guión, saltan a la vista algunas escenas que gozan de irrealidad y trascendencia, como el falso intento de amorío del embajador con la entonces asistenta personal del presidente Allende. Pareciera que el flirteo entre ellos se incrusta en el relato como una especie de fórceps que le ayuda al espectador a concebir el por qué del título de la cinta.
Por otro lado, hay que admitir que la comparación temática con La Lista de Schlinder (1995), de Steven Spielberg, es casi automática, ya que las dos producciones versan sobre héroes anónimos y contextos horrorosos, donde la brutalidad humana ha hecho de las suyas. Si a esto le sumamos que el protagonista de El Clavel Negro tuvo contacto con estas dos realidades, el paralelo tiene mayor relevancia, ya que el mismísimo Edelstam fue un testigo vivo de la Segunda Guerra Mundial.
Como aspecto histórico, resalta en esta película la indiferencia del resto de embajadores europeos que no tomaron parte activa en el conflicto, mismos que el político sueco criticó en una entrevista que se hace presente cuando corren los créditos finales. Así pues, El Clavel Negro puede verse como un homenaje póstumo a este memorable diplomático que terminó su vida cargando un maletín con medicamentos para venta ambulante, a quien le quitaron de la diplomacia sin reconocimiento alguno, pero quien puso su vida en riesgo (desinteresadamente) a favor de preservar la de los demás. Un clavel por el recuerdo de Edelstam y su obra humanitaria. Post data, quiero pensar que los subtítulos encimados al final de la cinta es un mero error de la copia o de la distribuidora y que en otras copias se pueda apreciar la traducción de los datos que hacen evidentes las atrocidades que hizo Pinochet en su dictadura. Si no es así, qué mala técnica de censura.

Texto publicado el domingo 4 de Noviembre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

El mercado de Coyoacán y la nueva cinta de David Lynch

2007-10-23T12:22:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

El surrealismo de las múltiples historias que se estrujan en un filme de Lynch, deriva en una lectura audiovisual-digestiva a posteri o en la incomprensión total de un director que se entrega sin pretensión alguna al postor que lo aguanta hasta que los créditos se derriten con su impaciencia. El contexto para ver las películas de este gringou-locou, nacido en el estado de Montana en 1946, resulta cada vez más complejo e inalcanzable para simples mortales mexicanos como nosotros, dado su lado parco y anti-comercial evidente en el tratamiento argumental o narrativo que lo caracteriza. En honor a la franqueza y el arribismo a la verdad democrática (¡já!), David Lynch ni te cuenta historias lineales y ni lo verás en cartelera por semanas enteras como al Señor de los Anillos o palomiteras como Los Declaro Marido y Larry. Sin embargo, a manera de presagio Lyncheano, podría existir la remota posibilidad de que encuentres su última película (que ganó en Venecia el año pasado el premio Mejor Película Digital) en un puesto de piratería de un mercado como el de Coyoacán en el Distrito Federal, al mediodía de un domingo de resaca, frente al olor a garnachas, pescado crudo, tostadas de pata, o imágenes de máscaras de luchadores, indigentes, muchedumbre apremiante o podredumbre de basura acumulada en algún rincón; esto último como la crítica que pone sobre la mesa cuando se refiere a la propia factoría de sueños que es Hollywood y que en esta cinta, Inland Empire, al igual que en la emblemática Mulholland Drive (2002), también destripa sin piedad alguna y sin concesiones hipócritas. Por incrédulo que parezca, ahí se puede encontrar el DVD, con subtítulos en español y por una módica cantidad de 30 pesos…

Trailer oficial de Inland Empire

De esta nueva producción se rumoraba, por los labios de su editora y compañera sentimental, Mary Sweeney, que el proyecto había comenzado como un azaroso cúmulo de imágenes que el propio Lynch había decidido grabar (no filmar) con su videocámara personal de formato Mini-Dv. Algunas escenas estaban planeadas, otras se improvisaban sobre la marcha, como el tema mismo de la película, que al parecer requiere de un enorme esfuerzo mental posterior a su vista-proyección para asimilarlo. No obstante, el resultado final versa magistralmente sobre una actriz de la meca del cine que recibe un llamado para trabajar en una cinta que se convertirá en su pesadilla. Con dosis de misterio, nos enteraremos también que esta se internará en profundos recovecos de cualquier estado de conciencia humana y que mezclara su realidad con las múltiples ficciones que Lynch tuerce tras el transcurso de la cinta. Bajo ese “esquema”, la magnífica rubia quasi-menonita Laura Dern (Yo Soy Sam, Lonely Hearts, Jurassic Park III, etc) interpreta a la actriz Nikki Grace, quien a su vez, aparecerá en el filme del filme como Susan Blue. El coprotagonista que la acompañará en esta avalancha de sinsentidos (aparentes) será el galán malencarado Devon Berk, quien dará vida en la otra cinta a Billy Side y que en ambas realidades será su amante. Como en cualquier otra producción de Lynch, los primeros diez minutos serán una mezcla de situaciones inoportunas e ininteligibles, con un diseño de arte sesentero-setentero (en formas, artefactos y colores, como en Blue-Velvet o Last Highway) y con personajes sin una aparente función esquemática para el relato y con semblantes desquiciados, pero cuando los minutos se los devora la incertidumbre, los viajes de flashback a Polonia se repiten y el suspenso nos mantiene despiertos, los sinsentidos adquieren forma y lo inexplicable se tuerce aún más para aventurarnos a los espectadores en un mar de conjeturas y replanteamientos de lo que las imágenes nos dicen y la lógica nos exige.

Laura Dern en un fotograma de la cinta Inland Empire de David Lynch.

En Inland Empire entonces, se encuentran más de tres películas que hay que decodificar y una búsqueda sagaz de significados que hay que ordenar, para finalmente quedarnos con una sensación de no haber entendido nada y haberlo visto todo (aunque se eche de menos en la fotografía la profundidad de campo y los matices en los colores que el negativo sólo nos puede dar). Días después, el universo onírico y misterioso de Lynch se vuelve menos rebelde y más tangible, para dar paso a una sensación de haberse enfrentado a una obra monumental de dimensiones experimentales exquisitas. Aunque también, por otro lado, podría seguir pensando que lo que vio fue una puta mierda.

Pd. En el mercado virtual (http://www.inlandempirecinema.com/) también puede comprar esta peli. Usted decida.

Texto publicado el domingo 28 de Octubre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Órganos sexuales: XXY

2007-10-16T23:57:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

La textura azul del grano permanece durante más de 80 minutos. A decir por la fotografía, es envidiable, con matices que bailan al compás del montaje y la delicada composición de cada cuadro (un verdadero lienzo fotográfico cadencioso). Ese azul nostálgico, ese azul oscuro y de grises que se entremezclan, el que denota tristeza y por qué no, lleva en su viento dijes de nostalgia y un mar de fondo que resuena en la brisa que escupe…
En el camino que circunda Piriápolis (Uruguay) viene en un coche Álvaro, adolescente, hijo de un cirujano plástico. En la cabaña a la que se dirige, lo espera otra adolescente, Alex (una admirable Inés Efrén). Ellos no se conocen pero sus padres son amigos de hace algunos años, aunque los de ella salieron huyendo de Buenos Aires y no precisamente por algún acto delictivo sino simplemente por la naturaleza de Alex.

Fotograma de la cinta XXY

Al primer encuentro, el flirteo es notorio entre los jóvenes. Alex ve con buenos ojos a Álvaro, quizá se ha enamorado, aunque él es feo y dientudo. Ella, que mira el mundo con unos ojos verdes pálidos de hermosura, es delgada y menor que él, quizá uno o dos años. Pero el padre de él (un perfecto médico engreído), no deja de mirar a Alex con ojos de morboso-científico. El que no soporta la visita de ellos (incluyendo la mamá de Álvaro) es el papá de Alex, que es biólogo y cuida tortugas. ¡Qué papel el del monstruo argentino Ricardo Darín!, el de Nueve Reynas, El hijo de la Novia, Luna de Avellaneda, entre muchas otras maestras de la cinematografía argentina actual.
Las madres de ellos, por su parte, no dejan de preocuparse por la guapa Alex. El misterio que la chica guarda comienza a inquietarnos. Seguro tiene alguna enfermedad, aunque han pasado 20 minutos y aún no lo sabemos. Permanecemos intrigados y el establecimiento de la acción nos conduce al momento en que Alex le pide a Álvaro que se acuesten juntos, que tengan relaciones. En otro recinto de la cabaña, los visitantes convencen a la mamá de Alex para que hable con su esposo. Es de vital importancia que se le intervenga, arguye el galeno.
A pesar del rechazo de Álvaro, la adolescente ha logrado cautivar su atención y lo seduce sin que él se de cuenta. Escenas más tarde, es el propio Álvaro quien corre desnudo por un camino boscoso y con un sentimiento profundo por Alex, pero también con miedo porque el padre de ella los ha sorprendido cuando ella le hacía el amor por la espalda. Cuando ella lo penetraba y él sin saber qué pensar, lo disfrutaba o descubría algo que iba más allá de los auriculares y su música con los que se refugia del mundo.

XXY es la cinta ganadora de la Semana Internacional de la Crítica 2007, ópera prima de una prometedora Lucía Puenzo, que nos acarrea por esta trama que involucra al espectador en una profunda reflexión sobre la difícil situación que atraviesan las personas que nacen con dos genitales, técnicamente conocidas como metahembras.
Sin concesiones en el tratamiento del tema y en su prodigiosa línea narrativa, la cinta entrelaza los inteligentes diálogos de los personajes (probablemente los más precisos, factibles y verosímiles que he visto en los últimos 5 años) con una sutil afrenta a nosotros como espectadores. ¿Qué tiene que hacer una persona XXY? ¿Decidir ser mujer, convertirse en hombre o convertirse en qué? Un discurso fílmico portentoso sobre la identidad sexual y la interminable búsqueda del orden moral, natural y la libertad de elección.
En XXY, la premura de la decisión se ve perturbada por la naturaleza que no se detiene en su crecimiento. El bello púbico, la barba y demás hormonas masculinas que persiguen a Alex naufragan a contra corriente y muy a su pesar de no tomar más medicamentos para impedirlo. En lo que refiere a su desenlace, se espera una decisión por demás maniqueísta, sin embargo, la resolución resulta asombrosa, digna de verse dos o tres veces y claro, descubrir todo lo que no se ha dicho aquí de esta cinta.

El monstruo argentino: Ricardo Darín.

Texto publicado el domingo 21 de Octubre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

No hubo quinto malo. Hoy termina el 5º FICM.

2007-10-16T23:48:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

I. Lo político
Como si se tratara de una película de suspenso, la incertidumbre respecto a la continuidad del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) fue el plano o el elemento recurrente entre los rumores de una parte importante de los asistentes a la quinta edición del festín cinematográfico. ¿Y si no gana el PRD, y si queda el PAN? –exclamaba con asombro una joven que, como muchos otros cinéfilos, pensaba en voz alta sobre el futuro y el evidente cambio de gobierno en el Estado. Sin embargo, la respuesta a estas interrogantes colectivas la dio la propia directora del festival, Daniela Michel, hace algunas semanas en conferencia de prensa. El argumento fue muy contundente: el FICM ha ido paulatinamente solventando gran parte de su economía con apoyo de la iniciativa privada y otros patrocinadores que han permitido que la aportación del gobierno estatal cada vez sea menor, lo cual le genera al festival una menor dependencia.
Como es evidente, el FICM ha trazado una trayectoria muy sólida en muy poco tiempo y con ella ha generado, edición tras edición, una fuerte derrama económica para la ciudad y el sector turístico, con lo cual, hace impensable que los gobiernos entrantes no deseen darle continuidad. Sería un tanto estúpido y políticamente incorrecto clausurarle el apoyo, ¿no lo creen?

II. La organización y los boletos
De una cosa no nos podemos quejar. La organización de este quinto FICM ha sido increíble, ya que tanto proyecciones, como eventos se han cubierto con lujo de detalle, pero muy a su pesar, el talón de Aquiles sigue siendo la venta de boletos. Las filas en taquilla han rebasado cualquier logística posible y el tiempo con antelación para asistir a las funciones también se ha incrementado. Pero esto es un tanto natural y razonable, cada día asisten más personas de la propia Morelia como del resto del país a las salas. Ni modo, aquí es como en el mercado, quien llega más temprano escoge la mejor fruta. Otro aspecto lamentable sigue siendo el difícil acceso a las salas del centro, pero de esto, mejor ni hablemos porque el primer cuadro de la ciudad resulta imposible en cualquier época del año.

III. El glamour y las celebridades
Sinceramente, esta es la parte más nefasta de asistir a un festival de cine que ha crecido en todos los horizontes posibles. Y si no lo creen, pregúntenle a los que asistieron a la gala inaugural que tuvieron que pasar 5 retenes porque el mismísimo Presi se presentó al evento. Al paso que vamos, cruzamos los dedos para que en próximas ediciones no venga un arzobispo o un cardenal, y nos urjan a confesarnos antes de entrar a las salas.
A pesar de esta faceta detestable, resulta muy gratificante escuchar y ver en persona a grandes cineastas como el inglés Stephen Frears y el francés Bernard Tavernier, quienes han dedicado su profesión a las cámaras y no aparecer fortuitamente en ellas.

IV. Lo alternativo del fest
Las proyecciones al aire libre, la sede alterna del teatro emperador de Pátzcuaro, el Cine sin Fronteras, pero sobre todo la recién creada sección Foro de cine indígena, nos brindaron la oportunidad de ver otros enfoques fílmicos alejados de esquemas comerciales y muy comprometidos con el análisis de la realidad, sobre todo, de las voces que tienen el menor poder mediático o adquisitivo económico. Salud por estas secciones a las que no asisten los grupis o fashionistas (ojalá se pusieran de moda para que asistieran).

V. Todavía tiene tiempo. Corra al cine..
Si no alcanzó ninguna de las proyecciones de esta quinta edición del FICM, aún tiene unas horas y podrá apreciar alguna de las múltiples sesiones que comienzan desde las trece horas y cierran alrededor de las 21:45 pm. Ya sea que le toque ver un largo, un documental o los ganadores de las secciones en competencia. Pero si prefiere una recomendación, vea una cinta que nos dejó impactados en esta butaca: 4 meses, 3 semanas y 2 días (4 luni, 3 saptamîni si 2 zile) del director rumano Cristian Mungiu. Disfruten lo que resta del FICM.

Fotograma de la cinta rumana 4 meses, 3 semanas, 2 días de CristianMungiu

Texto publicado el domingo 14 de Octubre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Cafeína, cortometraje de Alberto Zúñiga

2007-10-12T19:44:00.000-07:00

El cine es un hecho colectivo desde su configuración hasta su recepción y como tal, este cortometraje es un trabajo que fue desarrollado y posible gracias al amor incondicional y labor desinteresada de las siguientes personas. A todos ellos, gracias infinitas.

(Dedicado a la memoria y descanso eterno de mi abuela Petra Pérez y el cinefotógrafo Gastón Hurtado)

Créditos/ Cafeína

Actuación
Roberto... Gustavo López
Personaje en Pantalla de DVD... Gerardo Charretón
Mesera (Julia)... Xóchitl Calderón
Extra... Yesenia Rivera

Crew
Dirección... Alberto Zúñiga
Codirección... Enrique Villegas
Asistente de Dirección... Teresa Sánchez

Ayudante de Dirección... Adrián González
Continuidad... Mónica Maya
Claqueta...Daniel Pérez

Guión... Alberto Zúñiga

Director Fotográfico y cámara... Omar Nava Pita

Producción... Jairo Flores
Alexandra Lykaris

Ayudante de Producción... Juan Flores
Asistentes de Producción... Sahid Zárraga
Liliana Ruede
Auryn Villegas

Video assist... Jorge Díaz

Director de Iluminación... Guillermo Wusterhaus

Asistente de Iluminación... Arturo "El Flama" Pacheco

Dirección de Arte... Francisco Calderón

Asistente de Arte... Armando Carreño

Música Original... Roberto Hurtado

Sonido Directo... Gerardo Charretón

Storyboard... Eduardo Saavedra

Edición... Alberto Zúñiga
Alexandra Lykaris

Post-Producción... Sinestesia

Investigación... Karla Alvarado
Lorena Márquez
Cristina García

Subtítulos y Traducción... Jesse Brasher

Making off... Fidel Martínez
Mónica Rodríguez

Cámara... Prodym

Iluminación... Universidad Latina de América

Agradecimientos Especiales
Martha Ramírez
“Sanborns” Plaza Morelia
César Sepúlveda
Rodrigo Ochoa
Lorena Zaldívar
Forja Exclusiva (por el dolly)
Solaris (por el CASTING)
Familia Zúñiga Rodríguez
Familia Ruede Alcocer

A todos nuestros amigos,
ausentes y a los que
creyeron en este proyecto
¡Gracias!

Todos los personajes y situaciones
de este cortometraje son ficticios
cualquier parecido con la realidad
es mera coincidencia

Cortometraje - La Explicación

2007-10-10T00:10:00.001-07:00

Algunas conclusiones del 11º Tour de Cine Francés y el FICM nuestro (de cada año).

2007-10-02T00:30:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

I. Comedia al estilo Hollywood.
El 11º tour de cine galo que pasó por la ciudad y terminó anteayer, estuvo dedicado casi en su totalidad al género comedia (salvo una excepción abocada al thriller: No le digas a nadie [Ne le dis a personne] de Stefan Krohmer). De esta forma, el pietaje de la selección se proyectó bajo el umbral de una curiosa mezcla que matiza entre lo romántico-dramático-cómico, bajo el elemento común y bastante recurrente de mostrar finales muy propios al cine industrial norteamericano. Claro, esta alusión hace referencia a desenlaces felices, asquerosamente trillados y arquetipos bastante predecibles. Una muestra más que el fenómeno de la globalización invade cualquier clase de cultura argumental, sea en la propia cuna del cinematógrafo, o no. A pesar de ello, en Seductor de Lujo (Quatre Étoiles) de Christian Vincent, la relación tan ruda e inteligente de los protagonistas viaja por la atmósfera perspicaz de sus diálogos que no rayan en lo estúpido (yankee) sino todo lo contrario, devienen en una comedia romántica muy sagaz; en la cinta De un día para otro (Du jour au lendemain, 2005) de Philippe Le Guay , el singular Francois Berthier, asombrosamente interpretado por Benoît Pooelvorde, demuestra que la felicidad –además de ser un estado y no una finalidad- puede aterrar en dimensiones desconocidas y por qué no, hasta sospechosas o irreverentes. Por otro lado, Juntos, nada más (Ensemble, C´est Tout) de Claude Berri, donde participa la afamada actriz Audrey Tautou (Amèlie Poulin, El Código Da Vinci), sentimos que su esquema dramático nos quedó a deber más historia y menos situaciones tan forzadas al tratar de integrar cuatro vidas inconexas y sin una directriz factible que les uniera. ¿Acaso alguien adopta a una vecina anémica así como así, sin esperar nada a cambio?...
Por muy malas o buenas que hayan sido, ya despedimos a las 7 películas francesas como una antesala de acondicionamiento cinéfilo que le brindaron la bienvenida al evento cinematográfico más esperado de esta capital michoacana y el cual comenzó con pie derecho este viernes pasado: el 5º Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

II. Close up: Apoyo a Realizadores Mexicanos y algunas recomendaciones.
Es indiscutible la oferta que este año nos presenta el FICM y la serie de eventos que le rodean ya como una reciente y exquisita tradición. Hay que partirse en distintos cuerpos o francamente dedicarle el 100% del día al festival para ver, al menos, una parte de las 76 producciones que estarán en competencia, de las cuales 45 son cortometrajes mexicanos, 9 michoacanos, 16 documentales y 6 largometrajes; o acudir a conferencias tan seductoras como la de mañana, 8 de Octubre, que impartirá MCO Filmworks sobre el sonido en las películas ("Chin, se me olvidó que mi peli lleva audio") a las 11 de la mañana en el Auditorio Rubén Romero (entrada gratuita). Otro aspecto que resulta bastante digno de reconocer en esta edición, es la recién creada Sección de Largometrajes Mexicanos, un bastión que, sin duda alguna, se convertirá pronto en una importante plataforma para directores mexicanos que deseen mostrar su primera o segunda película. Un punto más para el FICM.
Además de los cortos mexicanos, homenajes y otros eventos, desde butaca recomendamos considerablemente que acudan a las proyecciones de la Semana Internacional de la Crítica del Festival de Cine de Cannes 2007, con producciones premiadas como Meduzot de Etgar Keret y Shira Geffen que ganó la Cámara de Oro o XXY, de la argentina Lucía Puenzo, que obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica. Así que, si no desean ver buen cine, es porque no quieren, ya que las mejores películas de este emblemático festival estarán en nuestra ciudad. Hagan un hueco en su agenda y no dejen de consultar la amplia oferta de este año en http://www.moreliafilmfest.com/. Nunca mejor dicho, nos vemos en el cine.

Texto publicado el domingo 7 de Octubre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Por favor: ¡YA BASTA!

2007-09-25T00:45:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Ayer 29 de septiembre terminó el 55° Festival Internacional de Cine de San Sebastián (España), justo una semana antes pasó a mejor vida el maestro del silencio y la expresión facial, el mimo Marcel Marceau, y en nuestra ciudad se celebró del 21 al 27, el 11° tour de cine francés con películas bastante interesantes para comentar (pero este evento no ha terminado aún, reinició con una nueva sede del 28 al 4 de octubre en Cinépolis Plaza Morelia para su deleite). Cualquiera de estos temas pudo haber sido la directriz o eje central de esta columna cinematográfica semanal, sin embargo, sólo nos quedaremos con su mención porque hoy dedicaremos estas líneas a un documental que nos ha dejado bastante indignados y con muy mal sabor de boca. Nos referimos a la reciente producción del documentalista y psicoanalista afincado en Texas, Ricardo Ainslie, ¡YA BASTA! (2007), que analiza el fenómeno del secuestro en México a partir de la percepción y testimonio de algunas víctimas reales de este terrible mal que flagela a nuestro país.
Estrenado en tierras mexicanas en la pasada edición del Festival Guanajuatense Expresión en Corto, este documental se desliza entre los amargos recuerdos de quienes sufrieron y sobrevivieron la privación de su libertad, las cínicas confesiones de algunos secuestradores aprehendidos por la “justicia” mexicana, una periodista que analiza este fenómeno a partir de estadísticas y horrores de este crimen y una investigadora experta en asuntos judiciales que analiza nuestro deficiente sistema judicial. Escena tras escena, emergen de ¡YA BASTA! sensaciones de impotencia y frustración que invaden al espectador, al percatarnos de algo a lo que ya nos hemos acostumbrado en este país: la corrupción, las desigualdades económicas y sociales, las terribles inconsistencias de nuestro régimen legal, la incredulidad y desconfianza a las autoridades, la ineficiencia de las instituciones y por supuesto, el surrealismo duro y puro que protagoniza las situaciones más inverosímiles que suceden día a día en México. Por ejemplo, nos preguntamos cómo es posible que en una comunidad del estado de Morelos, en Tepoztlán concretamente, todo el pueblo sabía que una familia se dedicaba al secuestro y a la extorsión y NADIE denunciaba nada; esto según el testimonio del padre de una chica que fue asesinada después de una trifulca que se suscitó al interior de la propia banda y cuyo rescate ya se había abonado a las arcas de la banda. Este trágico caso resulta muy particular porque pone en evidencia eso que todos ya conocemos: el secuestro se ha convertido en una industria muy rentable y con vínculos entre autoridades y delincuentes como una esfera indivisible y que demuestra que cualquier persona, a cualquier hora y en cualquier sitio está expuesto a la inseguridad en este país (no sólo en la Ciudad de México)… De hecho, fue el propio señor quien desde Cancún hasta Tijuana buscó durante 2 años y medio a los ejecutores de su hija, antes que las propias autoridades de Morelos, quienes únicamente se dedicaron a darle excusas absurdas e incluso (el colmo de lo surrealista), incriminarlo a él.
A pesar de que casos como este se han vuelto tan comunes en cualquier noticiario, no deja de doler para quienes amamos profundamente este país que la realidad social, lejos de mejorar, parece ir en picada (aún más) por los desafortunados y nefastos políticos que conducen los gobiernos en todos los niveles.

Director. Ricardo Ainslie

En ¡YA BASTA!, Ricardo Ainslie maneja al secuestro en niveles desgarradores (un señor narra cómo le cercenaron 3 dedos) en contrapunto de un lenguaje audiovisual bastante sencillo, con hermosos time-lapses que articulan los diferentes testimoniales y una ligera dosis de esperanza que nos invita a creer que algunas instituciones judiciales, como la Agencia Federal de Investigaciones [AFI] intentan profesionalizarse y dar mejores resultados (dos o tres de los entrevistados fueron rescatados por la AFI). A su vez, Ainslie hace referencia a la marcha multitudinaria (sin aristas políticas evidentes) contra la violencia que se dio en Junio del 2004 en la Ciudad de México y que contrasta con la declaración del año siguiente de las Naciones Unidas donde se expone al país como el número uno en índices de secuestros cometidos, por encima de países como Colombia y Rusia.
Al parecer, esta obra producida por Karen Berstein, financiada por Matinee Productions y Rico Productions, en colaboración con Fénix Films, se podrá observar en el 5º Festival Internacional de Cine de Morelia, fuera de competencia. Si no es así o no tiene oportunidad de verla, puede encontrar más información en su sitio web (http://www.yabastalapelicula.com/), pero lo más importante, entremos en la parte activa y digamos también ¡YA BASTA!, por favor. Nuestro país nos lo reclama.

Texto publicado el domingo 30 de Septiembre de 2007, en la columna semanal de cine Butaca Sinestésica RKO 281, del suplemento de cultura Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Liga de la película: www.yabastalapelicula.com
Home page del director: http://www.ricardoainslie.com
Una de las productoras: http://www.fenixfilmsaustin.com

Sin México en cartelera o El Día del Cine Mexicano.

2007-09-17T23:59:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez / betursus@yahoo.com.mx

Hace algunas semanas leía en este mismo diario una nota relacionada con El Día del Cine Mexicano, que hace ya 5 años se viene celebrando en nuestro país, a través de la cadena de exhibidores Cinemark y el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE). En esta edición más de 30 películas fueron las homenajeadas con un costo de 10 pesos por boleto. Por supuesto, propuestas tan divergentes (en calidad y géneros) como Km 31, Niñas Mal, El Laberinto del Fauno, Cansada de Besar Sapos, El Búfalo de la Noche, Fuera del Cielo, Así del Precipicio, Cañitas, El Violín, Guadalupe, Cuando las Cosas Suceden, Morirse en Domingo, entre otras tantas, se proyectaron el pasado 13 de septiembre en diferentes complejos del país y los fondos obtenidos por este evento “altruista”, se destinaron directamente al programa conocido como FIDECINE (Fondo de Inversión y Estímulos al Cine Mexicano) con el afán de que nuestra agonizante industria siga obteniendo apoyo para respirar un hilo de holgura. Aunque el evento resulta muy agradable y pretende volverse una tradición que explota el espíritu nacionalista efervescente propio de este mes, no deja de arrancar severas reflexiones y críticas al sistema económico de producción en el país. Por ejemplo, ¿por qué sólo una cadena y no todos los exhibidores del país se anexan a este acontecimiento? Al menos aquí en Michoacán y en concreto en Morelia, por carecer de un Cinemark, no procedió y nuestro apoyo como estado se reserva para otra ocasión.... ¿Acaso realmente les interesa exhibir cine mexicano o no es más que otro acto ventajoso de mercadotecnia para abarrotar salas de gente que consume lo que en verdad les deja dinero: la dulcería?

Foto: Beto Zúñiga (2005) (c)

Visto desde la distancia y fríamente, este tipo de esfuerzos resultan más como gotitas de misericordia que una verdadera ayuda sólida, que evidencie un compromiso de este sector con nuestro cine. Y lo considero de este tipo porque son ellos precisamente (los exhibidores, y por supuesto, los distribuidores) quienes arriesgan muy poco capital y quienes se quedan con gran porcentaje del ingreso de taquilla (alrededor del 75 al 90% del costo del boleto, según el contrato con cada productor). Considerando que la recuperación más fuerte de la inversión de una película se da en las semanas que permanece en cartelera, según su ciclo de vida, entonces en nuestro México los productores cada vez pierden más dinero y se ven aún lejanos los años en que puedan recuperar el costo total de la inversión (ya no digamos, obtener la parte de rentabilidad). Seamos sinceros, ¿cuánto tiempo permanece una cinta mexicana en cartelera? Son escasas las excepciones que perduran ahí más de tres semanas...
Por otra parte, aunque ya se hicieron algunas reformas fiscales para beneficiar la producción nacional (en concreto, el artículo 226 de la Ley del Impuesto sobre la Renta [ISR]) e incentivar la inversión en este medio, las condiciones de exhibición siguen descuidando al productor y sin garantizarle los espacios suficientes en sala. Otro aspecto que definitivamente está pendiente en la agenda política-económica y que se debería regular si un día nuestros vecinos del norte no lo permiten o los señores legisladores se lo proponen. Mientras estas condiciones no cambien, el cine mexicano seguirá ausente de la cartelera de las salas en territorio nacional y únicamente habrá que conformarnos con ir a comprar palomitas en El Día del Cine Mexicano que organizan Cinemark e IMCINE… claro, si un día llega a Morelia.

Pd. Película recomendada en cartelera: La Educación Prohibida
(The Fine Art of Love: Mine Ha-Ha, 2005) de John Irvin.
Pd. 2. No había ninguna mexicana para recomendar.
Pd. 3. Esperemos que haya pronto alguna buena.

Columna: Butaca Sinestésica RKO 281. Publicado el Domingo 23 de Septiembre de 2007. Suplemento Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

El castigo divino de las viudas: Agua.

2007-09-11T19:29:00.000-07:00

Por: Alberto Zúñiga Rodríguez. / betursus@yahoo.com.mx

Varanasi, La India, 1938. Una niña de 8 años, recientemente casada por mandato divino y las costumbres de su país, ha perdido a su esposo; de hecho, el mismo día de su boda. Ella, de nombre Chuyia, sin prácticamente haber conocido a su marido moribundo, es llevada por sus padres a una especie de asilo para viudas, cuyo destino es permanecer ahí el resto de sus días, obviamente, como también lo manda la tradición religiosa… En ese ashram para viudas, Chuyia es despojada de sus rizos hasta dejarla pelona, como un sello distintivo de su condición social y su desgracia permanente, al igual que sus compañeras de pesadumbre y de diferentes edades. Con su inocencia a cuestas, esta pequeña se rebela y cuestiona con preguntas espontáneas y actos propios de su edad, el estadio de aislamiento que viven las mujeres que le acompañan, manteniendo siempre la fe de que sus padres volverán por ella al día siguiente. Sin embargo, esto no sucederá y por el contrario, encontrará en la guapísima Kalyani (Lisa Ray), un pilar que sostendrá su equilibrio emocional y su entusiasmo por la vida.
En ese contexto histórico-fílmico, el líder pacifista Mahatma Gandhi es recientemente liberado de la cárcel e inicia su lucha revolucionaria que le permitirá a la India emanciparse de los británicos. Al igual que miles de seguidores de este personaje, un entusiasta joven de la alta casta brahman, estudiante de derecho, llamado Narayan (interpretado por el famoso actor de Bollywood*, John Abraham), espera ansiosamente que las condiciones sociales cambien en su país y no pierde la oportunidad para cuestionar su entorno.
Estas dos historias sin conexión aparente de la película Agua (Water, 2005), dirigida por la directora hindú afincada en Canadá, Deepa Mehta, encuentran una escena que las une cuando Chuyia y Kalyani conocen a la orilla del río Ganges a Narayan, quien se interesa profundamente por la acompañante de la niña y descubre la tragedia que gobierna la vida de ambas. De ese encuentro, cinematográficamente se derivará un romance que guiará el argumento de la cinta y secundará la verdadera intención de la realizadora en este filme: denunciar la terrible condición social que padecen miles de viudas de su país, como lo vivieron en la época colonial y lo siguen viviendo a causa del recalcitrante fundamentalismo hindú.

Ya entrados en la historia, también descubriremos además de una notable fotografía y una buena dirección del binomio cámara-actores, que el asilo donde estas mujeres sobreviven no es otra cosa que un burdel disfrazado y que la líder es una especie de madrota que regentea a las “reclusas” a cambio de marihuana y dinero que les de comida y sustento para “todas”. Otra hipocresía protegida por la farsa religiosa.
Por otro lado, la música y la recurrencia metafórica del agua, como algunos otros simbolismos religioso-culturales, nos sitúan ante una percepción poco occidental que delega en el montaje la misión de mostrar una media entre la barbarie y la delicadeza con la que esta directora condujo su historia, lejana a cualquier tinte amarillista que desviara la profundidad del mensaje. También brotan en Agua, aspectos que no escapan a la tradición cinematográfica de ese país, como lo son las escenas de corte semi-musical, que involucran directamente a los protagonistas en su ejecución vocal o instrumental, o su afán por mostrar un equilibrio en las situaciones más indeseables, tan intrínseco a su religión.
Para terminar con esta entrega, además de invitarle a ver lo que el hombre es capaz de hacerle a sus semejantes en nombre de un dios, sólo falta hacer de su conocimiento que este filme estuvo rodeado en su realización de amenazas de muerte, angustia y momentos de tensión, ya que en pleno segundo día de rodaje en el año 2000, la directora Deepa Mehta, se vio obligada a cancelar y replantearse el escenario por las múltiples protestas y conatos de violencia que sufrió su equipo de producción y los decorados. Así que de Varansi, tuvieron que moverse (años después) a Sri Lanka, para culminar con este proyecto tan notable que, sin duda alguna, hace una llaga en lo más profundo de la sensibilidad humana. Si es que ésta sigue existiendo.

* Bombay, Centro cinematográfico de la India.

Columna: Butaca Sinestésica RKO 281. Publicado el Domingo 16 de Septiembre de 2007. Suplemento Letras de Cambio, del periódico Cambio de Michoacán.

Más datos sobre la directora y su trilogía Fuego, Tierra y Agua: Deepa Mehta en http://www.imdb.com/name/nm0576548/

Bienvenidos a la cueva de las ilusiones.

2007-09-10T00:19:00.001-07:00

1. Del arribo al blog. He pasado ya algunos años leyendo blogs muy interesantes sobre cine, música, política y otras cosas verdaderamente increíbles. Debo confesar que nunca me he inscrito a uno, quizá porque disfruto de surfear por la web todos los días y cada página (ola) que visito, la dejo para emociones nuevas o algo que simplemente me mantenga interesado en su contenido. Algunas veces he reincidido en algunos blogs, algunos han desaparecido y otros más, se han transformado. Este que hoy inicio, no lo sé cómo y cuánto perdure... mientras tanto disfrutemos de esa intimidad hilvanada por ceros y unos en una colectividad de usuarios. Sí, donde el cine será la prioridad y donde serán ustedes quienes decidan permanecer, renunciar o incluso reincidir.
2. Lo que nos nutre es la luz. Internet es eso, una red de personas que controlan máquinas... y quizá una especie de cueva de ilusiones (como en el cine) que funciona con electricidad, como las sombras que requieren de luces para existir... Sigamos pues insertos en la dinámica de las sombras, la red, las luces (básicas y materia prima del séptimo arte), negativos, positivos, triples doble-u-s, mails, opiniones, archivos y simplemente el cine... Bienvenidos.
3. La persistencia retiniana es grandiosa. Interactuemos sobre ésta y el cine nuestro de cada día.
4. De los contenidos "Butaca-Sinestésica RKO 281". Muchos de los textos que aquí leerán forman parte del acervo que he acumulado en mi columna de cine publicada en el diario Cambio de Michoacán, los domingos desde hace casi 2 años, en el suplemento Letras de Cambio. Así que disfruten y opinen también sobre ellos. Espero poder subir algunos PDF´s para su deleite. (Pd. Gracias Knobl por sugerirme esto del blog y la columna).
5. De "Noches de Cine". Su servidor, Beto Zúñiga (aka, Betursus), y Adrián González Camargo, parlamos desde Morelia sobre una diversidad de temas de cine, los lunes a las 21:00 horas (hora del Centro de México), por 1550 AM y 106.9 FM en Radio Michoacán. Otra cordial invitación y bienvenida doble al blog y a la radio (por supuesto que en línea nos pueden escuchar).
6. Iniciemos ya. Gracias y "enjoy the ride"... Betursus.